显示下一条  |  关闭
温馨提示!由于新浪微博认证机制调整,您的新浪微博帐号绑定已过期,请重新绑定!立即重新绑定新浪微博》  |  关闭

心情不是很好耶!烦啊,怎么办!

 
 
 
 
 
 

新疆维吾尔自治区 阿勒泰地区 射手座

 发消息  写留言

 
努力去做了就算没有成功也不会留下遗憾! 加我MSN:donghuipingtianjie@hotmail.com
 
博客等级加载中...
今日访问加载中...
总访问量加载中...
最后登录加载中...
 
 
 
 
 
 
 
心情随笔列表加载中...
 
 
 
 
 

日历

 
 
模块内容加载中...
 
 
 
 
 

发现好博客

 
 
列表加载中...
 
 
 
 
 

视频

 
 
模块内容加载中...
 
 
 
 
 
 
 
列表加载中...
 
 
 
 
 
 
 
博友列表加载中...
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
网易云音乐 曲目表歌词秀
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 

有道博客魔方

 
 
模块内容加载中...
 
 
 
 
 

有道博客搜索

 
 
 
 
 
 

天气

 
 
模块内容加载中...
 
 
 
 
 
 
 
圈子列表加载中...
 
 
 
 
 
 
 
日志评论
评论列表加载中...
 
 
 
 
 
 
 
模块内容加载中...
 
 
 
 
 

网易新闻资讯

 
 
 
 
新闻标题 
列表加载中...
 
 
 
 
 
 
 

潘鹤《艰苦岁月》

2008-8-16 15:25:40 阅读248 评论0 162008/08 Aug16

 

 

  潘鹤《艰苦岁月》雕塑·铸铜, 47×40×55㎝,1957年[中国美术馆藏](中国美术全集)

  在新中国美术史上,在新中国雕塑史上,在表现革命历史题材的范围内,《艰苦岁月》都是一件十分重要的作品。它以动人的形象,体现了最能在观者心灵中激起共鸣的主题。如今《艰苦岁月》已成为各种中小学美术欣赏教材及百年美术必收录的作品之一。作品原件现存于中国革命军事博物馆。这一作品是潘鹤受中央军委总政治部委托,为建军30周年美术展而做,当时的主旨是要表现第四野战军解放海南的情景。潘鹤舍弃了浅白地表现战争胜利场面的思路,他采访了曾任海南游击队司令员的冯白驹,决定从艰苦场面来表现。结果草稿因为“没有表现革命高潮和胜利”而被否决了。不服输的潘鹤坚持了自己的思路,最终形成了一个老战士和小战士的形象构思。在艰苦岁月里,老战士仍然吹奏起快乐的笛子,嘴角微溢着笑意,小战士托腮倾听,憧憬着未来美好的生活。一种积极乐观的精神深深地感染了观看的人。

作者  | 2008-8-16 15:25:40 | 阅读(248) |评论(0) | 阅读全文>>

美术作品赏析

2008-8-16 15:14:47 阅读2539 评论0 162008/08 Aug16

作品赏析

一、中国绘画作品

  《墨梅图》是元代画家和诗人王冕的作品,在绘画方面,他以画“墨梅”,常以此借物抒情。本幅画是他的代表作。一支含苞欲放的梅花,横斜在画幅中间,劲拔的枝干有数尺之长;已开未开的梅花洋溢着一种蓬勃的生机,显得十分清新可爱。画的左上角有画家自己的一首诗。这首诗和梅花一样,充满着生气。它不仅说明了画家创作这一作品的意图,而且吐露了他的胸怀和理想。在画法上笔力挺秀,圈梅花时创造了一种一笔两顿挫的方法。全画虽然只用淡墨,却能把梅花姿态表现的十分动人。

  《早春图》是宋代画家郭熙的作品。该画是画家的传世作品的代表作。它描绘早春时节清晟的山景,薄雾笼罩山腰,树枝尚未放青,但已吐出新芽,山涧溪水已经解冻。泉水潺潺,形成一潭清浅春水,大自然处处萌发着生机,确是北方的早春季节。这种描绘自然景物中自然流露出的季节特点,与郭熙强调的画山水要表现不同季节特征的观点,是完全一致的,而这也只有通过对大自然的深入观察研究方能达到。

  《牡丹焦石图》是明代画家徐胃的作品。徐胃字文长,号青藤道人,浙江绍兴人。他是一个具有进步倾向的诗人、戏剧家、书画家。在诗文、戏曲、书画等方面,都有相当的造诣。在绘画上,他敢于革新、创造,他的水墨写意花卉画,充分发挥了中国水墨画的笔墨技巧,用笔放纵但不失其真实,水墨淋漓,浓淡干湿恰到好处。它比一般水墨写意画得更加豪放、泼辣,故称其为“大写意”。这幅画就是他的这种画风最有代表性的作品。徐胃的这种画风对明末清初以至近现代的中国花鸟画具有重要的影响。

  《牧马图》是唐代画家韩擀擀的作品。画家年轻时曾做过酒店雇工,后受到著名诗人、画家王维的赏识,资助他学画。他善画人物,尤其精于画马。本幅画画的是一马倌骑白马与另一黑马并 缓行,不画任何背景。黑白二马各部分比例匀称,透视解剖也很准确。用色虽是浅设色,但由于黑白对比色中加上少量朱红,并不使人感到单调。马倌的形象威武有力,两眼炯炯有神,这都说明画家具有很高的写实功力。

  《虾》是现代画家齐白石的作品。画家出身贫苦,当过木工,工余自学绘画,27岁是才拜师学画,进而学诗、篆刻。他对绘画艺术的突出贡献,是将质朴天真的劳动人民的情感与传统的文人画形式有机的结合在一起,使他的绘画具有雅俗共赏的特点。虾是齐白石喜爱的题材之一,他把虾准确的形态,外硬内柔而又透明的身躯,以及虾在水中浮游的动势,都精确而生动的表现出来了,真是栩栩如生。但是,细看画中的笔墨,却是非常简练,不能多一笔,也不能少一笔,笔画历历可数。

  《鸡冠花》是现代画家林风眠的作品。属于花卉画,他并不完全忠实于客观真实的花,我说它似与不似,重要的是画家既表现了鸡冠花的重要特征,同时又灌注了画家炙烈的情感,它使人感到花的强烈生命感。画中那一丛浓艳的弧状鸡冠花盛在弧形盆里,高处的弧线,紧紧拥抱这着低处的弧线,炙烈的感情溢于画面。

  《山村飞瀑》李可染 现代
  画家20年代末参加“一八”艺社,30年代投身爱国救亡运动,40年代执教于重庆国立艺专,将一腔爱国热忱付诸丹青。解放后以革新中国山水画为己任,立志为祖国山河立传,对中国现代山水画的发展做出了杰出的贡献。这幅《山村飞瀑》是画家本人最喜爱的作品之一。它不是某一个具体山村的简单再现,而是基于现实生活的再创造,这一切又显得那么真实、亲切。尤其值得注意的是,它提出体现了画家运用积墨法的高超造诣。

  《群马图》徐悲鸿 现代
  在画家的大量作品中,马是他最喜欢的题材之一,他画的马大多是奔放不羁的野马。他笔下的马总是比较瘦。有人以为是美中不足,其实,那是画家有意为之,正如唐代大诗人杜甫认为的,马的神气是由骨表现出来的,所以画马重在画骨,而且画骨要比画肉更难。徐悲鸿创造的许多风棱瘦骨的形象,与他要表现的天马行空、令人神往的思想境界和豪放中略带犷悍的艺术风格是一致的。

  《桃实图》是清代画家吴昌硕的作品。画家自幼家境清寒,靠刻苦自学逐渐成才。他的绘画主要是花卉画,尤爱画梅、兰、竹、荷花、紫藤等一类题材。这幅作品是他的传世精品,作于他72岁。他自己曾经说过,画桃子大为不易,要画得好,更须功力。此画不仅布局极具匠心,而且用笔融入画家擅长的篆留手法,以长锋羊豪悬肘挥写,笔意雄健,如左侧桃枝下垂一长竖,极有功力。画桃实的颜色,浓重浑厚,艳而不俗,画面右侧自叶下一行直款,直拖至底,使画面的章法更加完美,充分体现了画家多方面的艺术造诣。

  《母亲》油画,陈逸飞。作者以娴熟、细腻的笔法刻画了一个藏族母亲和她的两个孩子的形象。画面构图新颖、造型准确,整幅画以暖色调正统一,和谐而厚重,很好地表达了藏族的风貌和特点,显示了作者坚实的造型功力和高超的艺术造诣。

  《海风》水彩,蒋跃。作品描绘了南方沿海地区的风俗民情。亲人远洋打鱼满载而归,妇女们挑着丰收的鱼儿脸上露出幸福的笑容。三位妇女动作、表情各不相同,构图有聚有散,非常巧妙,色调表现为深色背景衬托浅色人物,非常醒目。技巧应用上作者发挥了水彩透明清新的特点。总之,这是一幅成功的作品。

  《塔吉克舞》国画,黄胄。作者长期深入新疆少数民族地区,对风俗民情和一草一木都非常熟悉,因此刻画形象准确,栩栩如生。本图虽然只有两个塔吉克民族的舞蹈人物,但动作的优美,神态的生动充分显示出画家的深厚功底。

  《十月》油画局部,孙为民。画面描绘了北方秋天的景象,一位天真淳朴的农村少女提着小篮悠闲地靠在小树上,两只山羊卧在后面,在暖暖的阳光下整个作品显得怡静,真是一幅优美的田园风光。

  《红土地》套色木刻,李成忠。云南民俗风情表达准确,技法上,充分发挥套色木刻的特点,刀法娴熟,色调统一,可以看出是一位造诣很深的版画家。

  《正月初一》国画,赵国经,王美芳。以坚实的造型功底刻画了二位少女的甜美形象,人物的重彩艳服与背景的皑皑白雪形成了强烈的色彩对比,真可谓红装素裹,那欢悦的人物表情和漂亮的服饰恰当的表现了新春佳节的主题。

  《五餐》油画,李自健。取材农村生活,描绘了正午时分一个天真可爱的娃娃正在吃饭,亲密的伙伴鸡狗围在旁边,亲切和谐加上前景道具真如置身于一个恬静祥和的农家之中。

  《惊鸟》油画局部,王沂东。极高的造型功底,画面通过一个小女孩好象看见一只鸟惊飞的情节,生动地刻画了一个腼腆、淳朴的农家女孩的形象。

  《我的冬天》作者韦尔申,刻画了一个小姑娘堆雪人的场景。画家发挥了油画写实性强的特点,将人物的神情和道具都表现得那样细腻、真实。因此具有很强的感染力。

  《赶集》作者周思聪,画面上,两个少年受执斗笠,臂挽竹篮,信心十足地走在赶集途中,从面部表情的塑造上就可以看出姐弟俩掩饰不住的内心喜悦。作者抓住了儿童好奇、活泼的心理,表现他们心花怒放的神情。

  《蝴蝶》作者陈之川、蒋某某,表现的是一个边寨儿童正在细心采集标本的场面。画面的装饰性很强,人、花、蝴蝶组成了一幅漂亮的图案。女孩子那专注的神情充分体现了其主题思想。

  《龙之子》作者丁兆明,作者采用民间绘画风格,以四个儿童占据画面四角,中间有一个飞龙,使画面产生一种旋转感。龙是中国的象征,我们是龙的传人,作者正是基于这一点创作此图。作者在构图、设色上利用传统民间绘画的方法,以饱满的构图、清晰的线条、装饰性强的造型、单纯明艳的色彩,使作品达到了使人耳目一新的艺术效果。

  《白鸽》作者徐匡,是一幅版画作品。作者用版画的特殊语言,用细腻的表现手法,运用光影素描的基本方法,高度提炼概括,成功地塑造了一个活生生的特点突出的少数民族小姑娘形象。

  《一束鲜花》是我国著名画家刘文西的作品。作者几十年来一直深入陕北农村,创作以领袖在延安时期为题材的优秀作品和习作。作者以极强的写实功力刻画了一位天真、烂漫、活泼、可爱的农村女孩的形象,加以周围景物的描绘,使人仿佛置身于陕北农村之中。整篇作品无论从人物刻画的准确、生动,还是对环境描画的真实、典型,都充分显示了作者极高的艺术造诣。

二、外国美术作品

  《小鸟的捕食》米勒
  这是米勒定居巴比松村后创作的表现农村儿童的题材的一系列作品的杰出之一。米勒之所以重视农村儿童题材的表现,正如他自己所说的:“人们正是为了孩子而胼手胼足、满面污水地去劳动”。因此,他非常喜欢儿童,他自己就有九个孩子。当创作这幅《小鸟的哺食》的时候,他终于摆脱了长期的贫困,生活日趋安定。所以,在这一作品中,他通过一个农妇正给孩子喂食的情结,创造了动人的母与子的形象,着重抒发了农民的亲子之爱和天伦之乐,充满了生活情趣和温暖的柔情。米勒谈到这一作品时曾说过:“人们想象这是一窝小鸟,母女在喂食,为了让他们有东西吃,人在劳动。”可见,米勒给这一作品题上《小鸟的哺食》,既有增加感情色彩的作用,同时以包含着更深刻的意义,米勒的作品就是这样看似平常,实际上意味深长。

  《又是一个两分》菲.列歇特尼科夫
  由于考试成绩不理想,不仅自己沮丧,还招来了姐姐的白眼,母亲的呵斥,甚至弟弟的蔑视。但狗却不知道这里边的变故,依旧对他显示出友好,而今天他实在无法再恢复往日的心情了。这个画面抓住了生活中有意义的一瞬,同时表现了各自不同的心理,既自然,又在情理之中,谁看了都会发出会心的微笑。

  《蓝色扶手椅中的小女孩》19世纪美国著名女画家卡萨特所作
  这是19世纪美国著名女画家卡萨特所作。卡萨特生于美国,后来长期定居法国,与法国印象派画家,特别是德加保持了近40年的友谊。由于德加的推荐,她是参加法国印象派画展唯一的美国画家。她除擅长油画外,还精于色粉笔画和版画。她终身未嫁,但她喜欢描绘妇女和儿童,尤其是表现母爱的主题。她的作品色彩明快而富于变化,始终洋溢着一种欢乐的气氛。《蓝色扶手椅中的小女孩》,构图和用色都很新颖。据画家自己讲,最初她只花了扶手椅中的孩子,后来德加觉得画面很不错,就让卡萨特添上背景,变成现在的面貌。这种不规则的构图,显然是从日本浮世绘和当时新发明的摄影术中得到的启发,舒服地躺在扶手椅中的小女孩,与左侧椅子上熟睡的小狗,巧妙地取得了构图上的均衡。大面积的蓝色与小女孩粉红色的皮肤,雪白的衣裙,形成了鲜明的对比,蓝色扶手椅套子上的星星点点红色,使全画冷色调更显得惹人喜爱。

  《面包》德国女画家凯绥·柯勒惠支
  柯勒惠支是一位进步的女版画家,鲁迅先生曾高度称赞她说:“在女性艺术家中,震动了艺术界的,现代几乎无出于凯绥·柯勒惠支之上。”并将她的作品介绍到中国来,对我国的版画艺术发展起了决定性的推动作用。在艺术家的一生中,创作了大量以工人阶级、农民阶级及妇女儿童为题材的作品。画家满怀对劳苦大众的同情,刻画了他们的悲惨生活和反抗斗争。《面包》这幅画中的两个孩子拉着母亲叫喊着饥饿,而母亲又没有吃的给她的孩子,那凄情惨景已跃然纸上,画面上母亲的形象虽然只是一个背影,但她那痛苦欲绝的心情,已经表达的淋漓尽致了。

  《向日葵》荷兰 梵高 
  这幅画色调单纯、强烈、响亮,色块凸起,线条粗犷、跃动,画面上虽然只是一盆向日葵,但画家把燃烧的炽热的感情赋予作品之中。

  《阳台上》19世纪法国著名画家雷诺阿
  这幅画的作者是19世纪法国著名画家雷诺阿。雷诺阿是印象派中以画人物为主的画家,他最擅长画妇女儿童,《阳台上》描绘的是一个美丽安详的母亲和可爱的孩子,整幅画面上洋溢着欢乐的气氛。作家布拉说:“雷诺阿可能是唯一从未画过悲伤作品的画家。”

  《保尔和木马》西班牙现代派画家毕加索
  是20世纪西班牙现代派画家毕加索的作品,他是个不断变换艺术手法的探索者,也是立体主义创始人之一。《保尔和木马》把变形的手法和非洲艺术风格结合起来,略显几何状的分割形式,使男孩和木马组合的和协调,色调较明快,是毕加索一生中为数不多的儿童题材作品。

作者  | 2008-8-16 15:14:47 | 阅读(2539) |评论(0) | 阅读全文>>

柯勒惠支:《面包》

2008-8-16 15:08:11 阅读743 评论0 162008/08 Aug16

 
 

作品描写的是第一次世界大战后德国儿童与妇女饥饿形象的一个侧面,因为没有面包,两个饥饿的孩子拉扯着母亲的衣服在啼哭,无可奈何的母亲留给我们的只是一个背影,但仍无法掩盖内心难以抑制的悲痛感情,只用了简练的几笔,但处在生活重压下苦难而伟大的母性形象已跃然在眼前。作品没有烦琐的线条,也没有色彩的渲染,但每根线条都蕴含着强烈的爱憎和情感,在黑白世界里囊括了感人肺腑的力量。

凯绥·柯勒惠支及其作品  
       凯绥·柯勒惠支(Käthe Kollwitz 1867年 7月8日 - 1945年 4月22日)是德国表现主义版画家和雕塑家,20世纪德国最重要的画家之一。  
       柯勒惠支出生于俄罗斯克尼哥斯堡(现在的加里宁格勒)的一个德裔家庭,原名凯绥·施密特。14岁时即开始学习绘画,1884年进入柏林女子艺术学院学习,后来又到慕尼黑学习。1889年和在贫民区服务的医生卡尔·柯勒惠支结婚,1898年开始在柏林女子艺术学院任教。其间几次游历巴黎和意大利。1909年回国后为一个漫画杂志Simplicissimus.工作。这时她已经成为一个社会主义者。她的早期作品《织工反抗》、《起义》和《死神与妇女》、《李卜克内西》 、《战争》(组画)等,不仅以尖锐的形式把在资本主义制度下工人阶级的悲惨命运和勇于斗争的精神传达出来,而且唤醒人们反对侵略战争,要根除战争根源,实现世界大同的理想。 
      1914年在第一次世界大战中,他的儿子被征入伍在西线阵亡。1920年她和爱因斯坦等人组织成立了国际援助工人组织。1932年她和其他社会主义者组成反对纳粹的阵线,希特勒上台后,她被取消普鲁士学院院士的荣誉,虽然她是第一位被选为普鲁士学院的女性院士,并禁止她的作品参加展览。1940年她丈夫去世,1945年他的孙子又在东线阵亡。1943年她的住宅被炸毁,她离开柏林到德累斯顿附近的一个小镇居住,并在那里逝世。 
      她因为和丈夫居住在贫民区,了解普通人民的贫困境遇,她的作品从一开始就反映普通人民的贫苦生活,因此在第一次获得金奖时,就被当时的[威廉二世]]国王取消。后来她又创作了《悼念卡尔·李卜克内西》和为工人组织创作的一系列招贴。儿子去世后又创作了许多悲伤母亲的形象,宣传反战思想。她的作品充满悲伤和凄惨的情绪,如实反映了19世纪末20世纪初德国底层人民的可悲状况。柯勒惠支还对铜版画和石版画的技术有许多改进和创造。 
      柯勒惠支的作品首次被鲁迅先生介绍到中国,对中国现代版画的发展起了很大的影响。鲁迅评价她的作品是:“她以深广的慈母之爱,为一切被侮辱和损害者悲哀,抗议,愤怒,斗争;所取的题材大抵是困苦,饥饿,流离,疾病,死亡,然而也有呼声,挣扎,联合和奋起。” 
1945年4月22日卒于德累斯顿。 
生平大事记 
1867年(与诺尔德同年)生于东普鲁士的柯尼斯堡。  
1884年在柏林美术学院学习,后又在慕尼黑继续深造。  
1885-1886年在柏林从师施陶费尔-贝尔恩,学习马克斯·克林格尔的蚀刻组画。  
1890年创作了第一批铜版画。1891年与“施诊医生”卡尔·珂勒惠支结婚。  
后经画家门采尔推荐,当选普鲁士美术学院成员,主持版画部工作。  
1919年从师巴拉赫,改学木版画。  
最初的作品是《纪念李卜克内西》,此后在1922-23年创作了组画《战争》。  
1927年应邀访问苏联,苏联的社会主义建设大大鼓舞了她 ,回国后创作的石版画《游行示威》、《团结就是力量》、《母与子》等,表明了她对无产阶级解放事业的新认识,艺术水平也达到一个新的境地。  
1931年她的作品被鲁迅介绍到中国来,1936年又出版她的作品集,对中国新木刻运动的发展起了推动作用。  
作为一个勇敢的反纳粹女战士,1933年她愤然离开了普鲁士美术学院。  
1933年希特勒上台,她虽然受到迫害,仍坚持作画,代表作《死亡》和《哀悼基督》以粗犷的线条,强烈的黑白对比,描绘了生与死的激烈搏斗,宣泄了她愤懑的情绪。  
1942年“全面开战“时,她发表了最后一幅木版画作品《不要把收获的粮食磨成粉》。  
1945年战争即将结束时死于德累斯顿附近莫里茨山  
1979年北京举办《珂勒惠支作品展》,展出了她一生中最主要的作品113件。  
柯勒惠支的主要作品 
穷困(1893年)  
末日(1897年)  
下工的工人(1897年)  
自画像(1897年)  
起来(1899年)  
自画像(1900年)  
哀悼去世孩子的妇女1903年)  
觉醒(1903年)  
战场(1907年)  
囚徒(1908年)  
志愿者(1920年)  
母亲们(1921年)  
不要再发生战争(1924年)  
自画像(1924年)  
死神的召唤(1934年)  
自画像(1938年)

   
  
  

 


作者  | 2008-8-16 15:08:11 | 阅读(743) |评论(0) | 阅读全文>>

法国印象派绘画代表珍品展(全程图文解说!)

2008-8-15 19:35:18 阅读481 评论0 152008/08 Aug15

普罗旺斯地区埃克斯1839—1906

  塞尚是一位银行家的儿子,学过法律,很早便离开普罗旺斯地区埃克斯,来到巴黎。在那里遇见了儿时的朋友埃米尔·左拉,并发现绘画艺术在那里能受到公正对待。他虽然没有接受过正规系统的教育,但十分仰慕画家德拉克洛瓦和库尔贝。他最早受毕沙罗的影响.在其鼓动下,搬到巴黎郊外蓬图瓦兹居住,后又迁往瓦兹河畔奥维尔,收藏家保罗·加歇正好也住在那里。他还随毕沙罗一起加入到印象派的早期探索队伍中。起初,他喜欢大量采用灰暗的色调,在画布上涂抹厚厚的油彩,后来,画面变得更加明亮,构图也更加紧凑均衡(《缢死者之屋》,1873,奥赛博物馆),这与主张光线颤动的其他印象派画家有着明显的不同。19世纪80年代初,他又回到普罗旺斯地区埃克斯。他在那里画的风景画越来越体现出追求韵律和尊重结构的特点。他的许多画都是以周围的农村为题材,例如圣维克多山或雷斯塔克停泊港。和风景画一样,他后来创作的肖像画也具有结构紧凑的特点,而其晚期描绘沐浴男女的经典作品更是如此(《大浴女》,1898—1905,费城艺术博物馆)。

  因害怕首都动荡和浮躁的气氛,塞尚于1873年搬到巴黎以北30多公里瓦兹省的一个小村庄里,和他的朋友毕沙罗为邻。在整整一年的时间里,两位艺术家并肩作画,一起描绘周围的风景,同时也画一些静物画。塞尚以毕沙罗为榜样,逐步摒弃灰暗的色调、厚重的笔法和年轻时代动荡不安的生活题材,转而采用更加轻松的印象派风格。不过,他仍坚持用建设性的和精炼的笔触来表现题材,而不愿追求即时的感觉。他的艺术是由大脑主宰的艺术。他具有很强的自控能力,不断进行自我反省,这一特点在他的多幅自面像中得到了充分的体现。他的这些自画像使我们今天得以了解他的脸部特征及具随着岁月的流逝而发生的变化。

  塞尚在创作这幅自画像时,年仅36岁。该画是在他的巴黎朋友、印象派画家、油画《雨季》的作者阿芒德·吉约曼的画室里完成的,《自画像》的远景中就有这幅《雨季》。他之所以选择在那里作画,是为了向这位风景画画家表示敬意。当时,他的作品不但遭到家庭的反对,而且还不断受到报刊和公众的冷讽热嘲,所以对他来说友谊显得尤为珍贵。同热衷于自身形象,把艺术奉为崇高使命的浪漫派艺术家相反,这位来自埃克斯的年轻人并不想美化自己。按他的同龄人的说法,他不太爱惜自己。知道自己的相貌不如马奈或德加,塞尚便故意不修边幅,一副粗俗的样子。这也算是一种掩盖其丰富的内心世界和满腹学问的胆怯做法吧。画中的他,相貌平平,甚至有些不修边幅,披着长长的头发,脸上的胡了又密又浓。身上的衣服一点也不讲究,妤像套着一件宽大的工作服,根本显示不出身体的线条。他在自画像中追求的是真实。这是一位拒绝华丽和矫揉造作的艺术家的基本性格特征。他甚至十分乐意地强调开始衰老的某些迹象,例如,已经谢顶的,闪闪发光的前额。眼圈有些发红,目光里流露出疑惑的神情,脸部的下方被浓密的胡须埋没,看不见似乎紧闭着的嘴巴。面部的表情全部集中在一对眼睛上,而作为感情交流的另一要素的双手却故意被省略。

  灰暗的色调反映了画家较为内向的性格。塞尚选用从珠灰色到灰黑色的一系列灰色作为主色调。这些中性的颜色与用来描绘肌肉、部分外套和远处部分风景的玫瑰色和棕栗色十分协调,相得益彰。画笔清晰地勾画出肌肉和衣服的线条,有的地方运用规则的影线,例如衣袖部分;有的地方则运用更加细腻的网线,例如表现吉约曼画室的地面部分。依靠交叉的细碎笔触,来表现光线和色彩的微妙差异,从而淋漓尽致地刻画出脸庞的细节。用黑色来强调鼻子、眼睛和眉毛,力求更好地体现面部特征,并保证与原型相像。脸庞周围的轮廓鲜明,犹如一副面具。沉思的表情和探索的目光似乎反映出画家在印象派的影响下开始朝着新方向转变时的惶恐心情。富于表现的和刚劲有力的笔触交织在一起,这也反映了画家风格的变化。

  这幅自画像表现了一个令人心碎的塞尚形象。随着时间的推移,他面部的线条也逐步变得柔和起来。这幅画是画家相貌和心理方面的总结,是他在那个时期处境的写照,它说明塞尚已经意识到,他是十五年来最受报刊和公众抨击和辱骂的艺术家。
北京大学
2006-5-7, 11:19 AM
《静物:糖罐、梨和蓝色的杯子》
保罗·塞尚/约1865-1866
油画/30×41cm


  普罗旺斯地区埃克斯1839—1906

  塞尚是一位银行家的儿子,学过法律,很早便离开普罗旺斯地区埃克斯,来到巴黎。在那里遇见了儿时的朋友埃米尔·左拉,并发现绘画艺术在那里能受到公正对待。他虽然没有接受过正规系统的教育,但十分仰慕画家德拉克洛瓦和库尔贝。他最早受毕沙罗的影响.在其鼓动下,搬到巴黎郊外蓬图瓦兹居住,后又迁往瓦兹河畔奥维尔,收藏家保罗·加歇正好也住在那里。他还随毕沙罗一起加入到印象派的早期探索队伍中。起初,他喜欢大量采用灰暗的色调,在画布上涂抹厚厚的油彩,后来,画面变得更加明亮,构图也更加紧凑均衡(《缢死者之屋》,1873,奥赛博物馆),这与主张光线颤动的其他印象派画家有着明显的不同。19世纪80年代初,他又回到普罗旺斯地区埃克斯。他在那里画的风景画越来越体现出追求韵律和尊重结构的特点。他的许多画都是以周围的农村为题材,例如圣维克多山或雷斯塔克停泊港。和风景画一样,他后来创作的肖像画也具有结构紧凑的特点,而其晚期描绘沐浴男女的经典作品更是如此(《大浴女》,1898—1905,费城艺术博物馆)。

  年轻时代,塞尚常画一些想象画和人物肖像画,却很少画静物画。但步入中年后,特别是在晚年的时候,他则以画静物画为主。奥赛博物馆收藏的这幅静物画对了解初露锋芒的年轻塞尚具有重要的标志性意义。塞尚喜欢质地厚实的材料和稳固的形状。作画时,他利用画刀把颜料直接涂抹在画布上来勾画出主题,有时也会用画笔勾画一些线条或添加一点色彩。他的作品结构严谨,画面丰满充实。

  塞尚年轻时的粗犷有力的绘画风格反映出画家的工作热情:他充满激情地在画布上涂抹厚厚的、不规则的一层层颜色,聚精会神地描绘水果的曲线或者增添一些白色使银制餐具更加光彩照人。在这幅静物画里,他选用普通的器皿和水果,把它们简单地排列在一起,几乎占据整个横向画面。对于工作节奏较慢的画家来说,听任摆布和不计较时间的静物体是最理想的模特。他采用黑色作为背景色,以便更好地衬托出物体的形状和色彩。这是17世纪以来西班牙和弗拉芒静物画画家们常用的背景色调。一些物品罗列在一起,而另一些物品则单独摆放。例如,蓝色瓷杯与其他物品分开摆放,它们之间则通过色彩的运用来进行对话。杯子内侧和杯耳银光闪闪,与旁边的银制糖罐和放着两只梨的甜点盘子交相辉映。一只梨小一些,形状瘦长,正好处在杯子和糖罐之间的对角线上,从而把放在托盘或搁板上的这些物品在视觉上串联在一起。用于表现木器颜色的棕褐色在有的地方被背景的黑色所覆盖。

  塞尚不追求模仿实物的逼真效果,而是讲究材料质地和形状在造型上的高度相似。他认为这幅小画画得相当成功,虽然没有装配画框,但仍把它放进了他于1866年完成的与真人一般大小的父亲肖像画的远景中。后来,看到左拉对这幅静物画颇感兴趣,塞尚大概出于友情,欣然将它送给了他的这位朋友,使其成为该画的第一位得主。这幅结构严谨的静物画是塞尚年轻时代的典型作品。30年后,他又以极大的热情,重新开始创作静物画,描绘那些摆放得并不四平八稳的水果和餐具。
北京大学
2006-5-7, 11:19 AM
《田园》
保罗·塞尚/1870
油画/65×81cm


  普罗旺斯地区埃克斯1839—1906

  塞尚是一位银行家的儿子,学过法律,很早便离开普罗旺斯地区埃克斯,来到巴黎。在那里遇见了儿时的朋友埃米尔·左拉,并发现绘画艺术在那里能受到公正对待。他虽然没有接受过正规系统的教育,但十分仰慕画家德拉克洛瓦和库尔贝。他最早受毕沙罗的影响.在其鼓动下,搬到巴黎郊外蓬图瓦兹居住,后又迁往瓦兹河畔奥维尔,收藏家保罗·加歇正好也住在那里。他还随毕沙罗一起加入到印象派的早期探索队伍中。起初,他喜欢大量采用灰暗的色调,在画布上涂抹厚厚的油彩,后来,画面变得更加明亮,构图也更加紧凑均衡(《缢死者之屋》,1873,奥赛博物馆),这与主张光线颤动的其他印象派画家有着明显的不同。19世纪80年代初,他又回到普罗旺斯地区埃克斯。他在那里画的风景画越来越体现出追求韵律和尊重结构的特点。他的许多画都是以周围的农村为题材,例如圣维克多山或雷斯塔克停泊港。和风景画一样,他后来创作的肖像画也具有结构紧凑的特点,而其晚期描绘沐浴男女的经典作品更是如此(《大浴女》,1898—1905,费城艺术博物馆)。

  巴黎的艺术家是由美术学院或名家画坊培养出来的,保尔·塞尚不属于这一类。他原籍距巴黎700公里的法国南部一小城,曾就读于当地一所绘画学校,借助博物馆收藏的古代大师的作品和美术书籍的插图学习绘画艺术。其艺术人生的开始阶段尤为艰难,因为他父亲不赞成他学习绘画,而想让他当一名法学家,特别是想把他培养成他在普罗旺斯地区埃克斯开设的银行的继承人。不过年轻人到底还是获得了父亲的准许去巴黎学画。他童年时代的好友埃米尔·左拉也鼓励他到巴黎去。这个后来在文坛一举成名的左拉,当时已在巴黎开始其记者和艺术评论家生涯。

  塞尚到巴黎的头几年,即从186l到1864年,生活较为自由,因为他终于摆脱了家庭的束缚;不过与此同时,他的生活也不太稳定。他生性胆怯,难以融入他所接触到的艺术家群体,结交新的朋友。他宁愿独处,常去卢浮官临摹过去画家的作品。他还在私人画坊从事“模特”写生,其所学课程是为进入美术学院的考试作准备。此考试非常之难,他已两次失败。他觉得自己不同于他人,不想接受学院式教育,因为这种教育所传授的艺术都是些固定的程式。

  他通过左拉结识了莫奈和雷诺阿。和这些年轻画家不同,他对取自当代生活的题材以及对大自然的研究兴味索然。在其头十年的画家生涯中,他始终坚持表现其年轻时代所读各类书籍中到处可见的臆想世界。激发其想象力的场面都以暴力或色情主题的形式被呈现,譬如这幅《田园》。

  田园风光乃艺术上的古老题材,其存在可上溯至遥远的古代,到了18世纪就更被人们所痴迷了。陶醉于村野幸福生活,在塞尚的创作中此主题是对其浪漫年代所选之沉闷题材的一帖平衡剂。这里所表现的是一幅沐浴场景,如同画家在其年轻时代所经常体验的;可是此场景却有一处有失文雅:画上的女性全为裸体。虽然普岁旺斯的气候是出了名的炎热,但如此之自由却为当时的习俗所不容。更令人惊讶的是,女士们身旁还有几位衣冠楚楚的男士,其中就有仰躺于草丛中的画家本人。这样的安排不免让人想起在“1863年落选者沙龙”上引起轩然大波的另一幅画,即马奈的《草地上的午餐》,又名《沐浴》,塞尚正是受其启发而浮想联翩,欣然绘出此画的。

  画家画这幅画,只挑选了少量的颜料,有绿色、蓝色、褐色和白色,运用明暗对比的手法突出绘画主题。他用清新的颜料描绘人物,最终塑造出人物形象,所用画笔的笔触到处可见。此笔法完全背离美术学院所传授的方法,因为在学院,画家们是在画布上先拟好草图,而后在上面涂抹数层颜料,也就是说在干了的颜料上涂抹。塞尚的做法使其人物看上去显得很是粗糙,除两人外其他人形体模糊,面容不清。但画家不愿把实在的场景描绘得过于细腻,而只是想表现水边的一段快乐时光,即朋友们在一种既色情又伤感的氛围中谈话的场面。

  《田园》这一臆想的场景和对理想化古代社会的追念,因为其形象塑造的简单化和人物姿势在大自然中的矫揉造作,曾激起画家同时代人的指责。然而这幅奇特的画,却沐浴于诗一股的宁静氛围中,这在画家青年时代的作品中是非同寻常的。
北京大学
2006-5-7, 11:20 AM
《三浴女》
保罗·塞尚/约1875-1877
油画/22×19cm


  普罗旺斯地区埃克斯1839—1906

  塞尚是一位银行家的儿子,学过法律,很早便离开普罗旺斯地区埃克斯,来到巴黎。在那里遇见了儿时的朋友埃米尔·左拉,并发现绘画艺术在那里能受到公正对待。他虽然没有接受过正规系统的教育,但十分仰慕画家德拉克洛瓦和库尔贝。他最早受毕沙罗的影响.在其鼓动下,搬到巴黎郊外蓬图瓦兹居住,后又迁往瓦兹河畔奥维尔,收藏家保罗·加歇正好也住在那里。他还随毕沙罗一起加入到印象派的早期探索队伍中。起初,他喜欢大量采用灰暗的色调,在画布上涂抹厚厚的油彩,后来,画面变得更加明亮,构图也更加紧凑均衡(《缢死者之屋》,1873,奥赛博物馆),这与主张光线颤动的其他印象派画家有着明显的不同。19世纪80年代初,他又回到普罗旺斯地区埃克斯。他在那里画的风景画越来越体现出追求韵律和尊重结构的特点。他的许多画都是以周围的农村为题材,例如圣维克多山或雷斯塔克停泊港。和风景画一样,他后来创作的肖像画也具有结构紧凑的特点,而其晚期描绘沐浴男女的经典作品更是如此(《大浴女》,1898—1905,费城艺术博物馆)。

  塞尚在其绘画生涯中所绘题材十分有限,其中有普罗旺斯的风景、肖像画和自画像、静物写生及沐浴男女之裸体画。画家画沐浴男女开始于19世纪60年代初,此后画家画了许多这类有一个或数个人物的裸体画,直到其离开人世;画家在晚年所绘的三幅大型裸体画为其代表作。画家毕生所从事的这一题材,恐怕是其作品中最为重要的部分。画家本人就讲过,以沐浴为题材可使所绘人物与周围景色融为一体,因为画家这时可同等对待所有要素,而不是像学院派所指出的那样,把自然环境当作次要之物,不过是用做所绘人物的装饰和点缀。

  不过,塞尚在实施其计划的过程中遇到许多困难。他生性腼腆,难以在赤身露体的模特面前作画。再者,把模特放到大自然中去,在当时是一件不可思议的事,为道德观和教会所不容;况且又在外省,那里的保守思想远比首都严重。画家于是转向往昔大师们的绘画和雕塑作品,到各博物馆去一一临摹,同时对其所绘人物的姿势细加揣度,使其作品臻于完美。画家这样做,是因为不愿描绘真实场景,而只想表现想象的场景,因此与所绘题材有着一定的距离。画家明明画的是沐浴,但画上却看不到水,或者水只占次要地位。比如读者眼前这幅画,只是在画的前沿画了个小水坑,这对画家所要表达的主题来说,岂非荒唐可笑?画上的人物或还末沐浴,或已沐浴完毕,几乎总是在岸上休息。

  奥赛博物馆所藏《三浴女》上画的三个女人个个身躯庞大,并非没有一点色情意味,这与当时普遍认可的女性美标准是不相符的。不过塞尚之所以这样做,倒不是意在显示人物躯体的美感,而是想表现其举手投足的姿态所显现的力。二位女性被安排在一种想象中的三角形位置上,其躯体的轮廓清楚地显现于画面上。只是背向画面的女人左臂伸出了画面,显示出画面之外还有一人,此人只在树叶丛中露了个头。站着的女人正要进入水中,突然停下,面部向陌生人转了过去;而其臂膀中象在半空一样停留在了第三人的头顶上方。在两位褐发女郎中间的这位惟一的金发女郎,即画面上的最后一位,所处位置稍偏一点,身子弯了下去。这三个女人形体粗壮;这样的人,人们在任何时候都可以见到;画家对她们的身份未予点明。她们肚皮滚圆,臀部宽大,两只乳房沉甸甸的,令人想到生殖力这一概念。正看着这一场景的那人,可能典出古代一神话故事,说的是一些仙女在沐浴中突遇森林之神降临。塞尚无疑想说“顺自然之力来繁衍后代”。也就是说应当剔除学院式的矫揉造作,以现代的生动形式涉足传统的重大题材。

  这一幅尺寸较小的画,是画家事先计算好,以缓慢的笔法绘出的。画面上的人物是用强劲有力的笔触直接画上去的,事先未经素描勾勒。肌肉没有传统裸体画所常见的那种粉红色和平滑性,而是互相交错的无数笔触融合在一起后所形成的大理石状纹理。大块绿色和紫色的阴影,为表现女性之细腻肤色所不常用的,但这里却将其躯体完全烘托了出来;同时涂抹于面庞、肘部、膝盖、脚部和手等处的胭脂红色调,也使之显得格外光彩夺目。画家在画完人物后,以深暗的色调对躯体的若干部分给予了浓墨重描,以显现其轮廓。我们由此可见,给外形以分量的笔触感是何等重要。这种笔触时而呈圆形,时而呈类似树叶的影线形,可创造出浓密的网络状和鲜亮的黏稠状,以强调光的存在。相反,人物和树木四周的天空和草地,却通过白、蓝、绿、黄等普通色彩,以流畅的笔法加以处理。

  小幅画作上的这些浴女有着非凡的表达力。从她们身上所透出的活力和平衡感,使这幅画成为一件杰作;塞尚通过此作品表达了一种有关户外自然界和生命力的微妙感受。
北京大学
2006-5-7, 11:21 AM
《白杨树》
保罗·塞尚/约1879-1880
油画/65×80cm


  普罗旺斯地区埃克斯1839—1906

  塞尚是一位银行家的儿子,学过法律,很早便离开普罗旺斯地区埃克斯,来到巴黎。在那里遇见了儿时的朋友埃米尔·左拉,并发现绘画艺术在那里能受到公正对待。他虽然没有接受过正规系统的教育,但十分仰慕画家德拉克洛瓦和库尔贝。他最早受毕沙罗的影响.在其鼓动下,搬到巴黎郊外蓬图瓦兹居住,后又迁往瓦兹河畔奥维尔,收藏家保罗·加歇正好也住在那里。他还随毕沙罗一起加入到印象派的早期探索队伍中。起初,他喜欢大量采用灰暗的色调,在画布上涂抹厚厚的油彩,后来,画面变得更加明亮,构图也更加紧凑均衡(《缢死者之屋》,1873,奥赛博物馆),这与主张光线颤动的其他印象派画家有着明显的不同。19世纪80年代初,他又回到普罗旺斯地区埃克斯。他在那里画的风景画越来越体现出追求韵律和尊重结构的特点。他的许多画都是以周围的农村为题材,例如圣维克多山或雷斯塔克停泊港。和风景画一样,他后来创作的肖像画也具有结构紧凑的特点,而其晚期描绘沐浴男女的经典作品更是如此(《大浴女》,1898—1905,费城艺术博物馆)。

  19世纪70年代中叶,塞尚习惯于在他的故乡--普罗旺斯地区埃克斯和巴黎轮流居住。在毕沙罗的引荐下,他在巴黎加入了印象派团体,从此开始其印象派艺术生涯;不过由于他那成熟的画风及对题材所作的有一定距离的诠释,他在该团体内仍然形单影只。他的风景画既没有莫奈的敏捷才思所透出的伟力,也没有雷诺阿对于声色的非凡敏锐性。他的画也不同于西斯莱的诗歌般印象派意境及卡耶博特的细腻描绘笔触。塞尚是一位完全凭感觉行事的画家,和创作哲学含义浓厚的山水画的中国画家十分近似。他感兴趣的是大自然向他显露的形和构架,而不是大自然在他心中所形成的印象。在他行将就木之际,他向一个特意来向他请教、名叫艾米尔·贝尔纳的青年画家透露了他30年来所崇尚的信条:“应当把大自然当作一个圆柱体、一个球面、一个圆锥体,一切都可以入画。”除观察细致之外,他还信仰万能的上帝造物主。他努力想在绘画中片断地再现世界的一般秩序。

  1879年4月初,塞尚迁居美伦,小城地处巴黎东南30公里,距枫丹白露不远。他每天都带着他的画架和颜料,选好了景作画,而他所特别偏爱的是附近一个名叫曼西的小村庄。毕沙罗所钟情的是乡村农事和村野居民的日常生活;塞尚则与之截然不同,他一门心思关注的是没有人或动物打扰的自然风光。他选择风景不是以其是否秀丽为标准,而是从线条、颜色、光线及空间等角度观察,看它是否符合纯造型方面的标准。在寂静的乡村中,他对自己成年以来所形成的风格做了一点调整,改用一种长而斜的笔法,在画面上勾勒出类似地毯网络的图案。光在其中循环的这种网络图案,是他次年在蓬图瓦兹地区所绘《白杨树》等作品的主要特点。

  塞尚在这幅画中所绘景致在帕蒂村的马古维尔城堡附近,距蓬图瓦兹不远,十来年中,他经常来此作画。到达可俯瞰该景致的路边后,他开始构造画面空间,但不考虑是否有逼真效果。种着白杨树的小径呈“S”形曲线,他利用这一生气勃勃的曲线安排其构图的不同层面。画面深处的景物因而要小于画面前沿的景物;然而与幻术或照相术不同,他所绘出的景物毫无模糊之感,其色彩也毫不逊色。这一几何结构的呆板效果因有光和空气穿行其中而缓和了许多,在倾斜和笔触间利用浅淡颜料而留出的空白则使光和空气的这种运动变得更加明显。以整齐划一的笔法绘出的图案,显得非常有活力,使叶片在风中抖动的参天大树显出一种近乎音乐的节奏感。

  在塞尚为其风景画挥笔时,其调色板所用颜料十分有限,即调配成有浅有淡的绿色以及锡耶纳土色,此外是用来表现天空和井边石栏的蓝色和白色,这后两种颜色涂抹于画面的中央和右侧。他画得很慢,直接用颜料勾画出其图案,而不先画出显示画面轮廓的草图。纵横交错的笔触,彼此间却处于一种完满的平衡,使所绘风景给人以稳定之感,十分接近17世纪画家的传统观念。他曾写道:“我想让印象派的画成为一种坚实的艺术,像博物馆收藏的艺术品一样万世长存。”

  同大自然融为一体的塞尚,传达给我们的是从大自然所得出的万古不变的印象。他在让我们就他绘出的窄空荡与寂静的世界进行思索时,他作为情感传递者的身份也得到了确认。
character
2006-5-7, 13:22 PM
期待ING````````````
character
2006-5-7, 13:23 PM
莫奈画的颜色跟笔触都好漂亮``
北京大学
2006-5-8, 17:24 PM
《蓬图瓦兹的加莱山坡》
保罗·塞尚/1880-1881
油画/60×75.6cm


  普罗旺斯地区埃克斯1839—1906

  塞尚是一位银行家的儿子,学过法律,很早便离开普罗旺斯地区埃克斯,来到巴黎。在那里遇见了儿时的朋友埃米尔·左拉,并发现绘画艺术在那里能受到公正对待。他虽然没有接受过正规系统的教育,但十分仰慕画家德拉克洛瓦和库尔贝。他最早受毕沙罗的影响.在其鼓动下,搬到巴黎郊外蓬图瓦兹居住,后又迁往瓦兹河畔奥维尔,收藏家保罗·加歇正好也住在那里。他还随毕沙罗一起加入到印象派的早期探索队伍中。起初,他喜欢大量采用灰暗的色调,在画布上涂抹厚厚的油彩,后来,画面变得更加明亮,构图也更加紧凑均衡(《缢死者之屋》,1873,奥赛博物馆),这与主张光线颤动的其他印象派画家有着明显的不同。19世纪80年代初,他又回到普罗旺斯地区埃克斯。他在那里画的风景画越来越体现出追求韵律和尊重结构的特点。他的许多画都是以周围的农村为题材,例如圣维克多山或雷斯塔克停泊港。和风景画一样,他后来创作的肖像画也具有结构紧凑的特点,而其晚期描绘沐浴男女的经典作品更是如此(《大浴女》,1898—1905,费城艺术博物馆)。

  1881年5月初,塞尚在距巴黎40公里的蓬图瓦兹小城安顿了下来。1872年,他曾与其朋友卡米耶·毕沙罗画家为邻,在此小城居住过。该地区当时还保留着农村状态,为喜爱户外的画家提供了多种多样的题材,且这里生活便宜,花费不会太大。此外,蓬图瓦兹当时已有铁路与巴黎相连,因而塞尚在美丽的季节常来此小住,选景作画。因此眼前这幅画,很可能是他在1880年夏或次年画的。

  画家来到一个可俯瞰瓦兹河谷的山坡上,蓬图瓦兹附近的大片农村,包括种着庄稼,被分割成绿色或褐色地块的农田以及一条道路,在脚下流过的瓦兹河和几处房屋,皆尽收眼底。对于一个地方,画家并不追求其风光有多么秀美;也不像其他印象派画家那样,一心惦念的是光线有怎样的不同,气候有怎样的变化。他所关注的,主要是大自然的稳定性,只要其各个部分彼此衔接、交错存在,能提供适宜的空间便可。就说现在这幅有关加莱山坡的风景画吧,他首先画成素描,在素描的基础上再画成水彩面;水彩画上,各个部分用不同颜色进行了重新归类。随后,在此户外工作的基础上,他可能在画室完成了这幅丽。他以平行的笔法概括性地涂抹出的画的主题,是一幅实实在在的视觉图案,一目了然,因为它把风景画的构架完全表现了出来。各个部分已缩减成彼此平衡的基本线条:如直冲霄汉的树木、呈平展状的小河、种着庄稼、坡度平缓的山坡以及在画的前沿蜿蜒伸展的道路。沿道路分布的几处房屋把人们的视线一直引向山坡之上,来表示画的深处。这些上了色的小方块,同并列的几何状平面或表面的层层叠合所形成的景色,完全融为一体。画家的高超技艺,就表现于如何在平展的画幅上显出空间之深远这一紧张关系的处理上。放在画幅中央的几株树木,形成一垂直的屏幕,在视觉上把该画的各个景都捏合到了一起,而在画的表面所散发的光线又使整个画面非常统一。

  这样,被人类所“驯化”的大自然,也就成了区区几块图形;这些图形,按照某种和谐的节奏分布,分别用冷色调或暖色调、明亮色或晦暗色来涂抹。这一乡村景象与人们所见到的有一定距离,因为那儿即没人也没家禽,所以不是像照片那样对某一景色的忠实再现,而是一种理解,一种想象。它是时间与空间的综合,实在说来要远胜于对事物所作的那种难以想象的极为细腻的描绘;塞尚通过这幅画告诉了我们其感觉上的精髓。

作者  | 2008-8-15 19:35:18 | 阅读(481) |评论(0) | 阅读全文>>

法国印象派绘画代表珍品展(全程图文解说!)

2008-8-15 19:32:54 阅读359 评论0 152008/08 Aug15

《赛艇》
居斯塔夫·卡耶博特/1878
油画/155×108cm


  1848年生于巴黎 1894年卒于小热讷维耶

  1873年,卡耶博特在美术学院学习时是列昂·博纳的学生,博纳是当代绘画艺术学院派的代表。但卡耶博特很快就放弃了学业,转而进行印象派绘画的探索。由于家底殷实,没有经济压力,不必依靠卖画维持生计,所以他能够在印象派画家朋友们的影响下进行实验性的工作。1876年,他的两个版本的名作《刨地板工人》(1875,分别由奥赛博物馆和私人收藏)参加了第二届印象派作品展览。直至1882年,他每年都要参加各种画展。当巴黎人对奥斯曼男爵的市政改造工程和金属建筑结构的泛滥议论纷纷、怨声载道时,他将自己变成了一名采访记者。(《欧洲大桥》,1876,日内瓦小皇宫博物馆)。

  从1876年起,他经常资助印象派画家朋友,出钱购买他们的一些作品,其中包括莫奈的《圣拉扎尔火车站》的多个版本和雷诺阿的《加莱特磨坊))。他个人藏品中有63幅画作为遗赠,但因为它们与当时的美学潮流背道而驰,所以只有一部分被接受。1896年,自诩为现代艺术博物馆的卢森堡博物馆也只收藏了其中的35幅油画和粉笔画。

  居斯塔夫·卡耶博特有幸生在巴黎一富有之家,可以从事绘画及其他爱好,如划船、驾驶快艇、集邮和种植稀有植物,而无须为日常用度发愁。他还大力资助莫奈、雷诺阿、毕沙罗、塞尚、西斯莱、德加等好友,收购他们的画,为他们的画展慷慨解囊。确实,还在很年轻的时候,他便已加入印象派画家的阵营,1876年曾应雷诺阿和亨利·鲁阿特的邀请参加第二届印象派画展。此后举办的各届画展他没有一次缺席过,一直到1882年。从这一年起,他作为画家的创作活动渐渐地放慢了节奏,直到他干1894年过早地离开人世。去世之前,他把自己收藏的马奈及其他印象派同行的画,全都捐给了国家;官方对此虽然未作怎样的表示,但印象派的画却从此大量成为国家的收藏,而卡耶博特当年收藏的那些画至今仍是奥赛博物馆的瑰宝。

  卡耶博特作画,其题材清一色地取自他那个时代的生活,他还积极响应当时从埃米尔·左拉到莫泊桑和胡斯曼的自然主义文学主张,追求一种新的风格,把形成鲜明对比的浅色与配景别致的奇特拼版结合在一起。因此他实实在在地加入到了印象派的洪流中。《赛艇》 (技术用语,指的是当时十分流行的一种比赛用小型船只)原是1879年第四届印象派画展上使用的三块装饰板中的一块。另两块装饰板(现由私人收藏),画的是一位垂钓者及几个在树影婆娑的同一条小河中游泳的人。这一类作品充分反映了那个时代的人在户外嬉戏的乐趣,是画家所酷爱的题材之—;他父母在距巴黎不远的耶尔有一处庄园,庄园边缘有一条小河;受此影响,他本人对于划船非常热心。这一新颖的题材曾以不同方式吸引过作为同时代人生活好奇见证人的库尔贝、马奈、莫奈和雷诺阿等人,如今用于各种形式的创作尝试。比如经常漂流着草木的水面被处理成并不太深的空间,而传统的视觉标记悄悄隐退;一切都在光线下闪闪发光,被边框随意切掉一半的小船,则在呈上升倾斜状态的水流中灵巧地前进着。卡耶博特作起画来动作很快,笔触遒劲、果断、有效。不过这种完全凭借内心感觉的做法,很让当时的批评界不快;他们说,他的笔法未免太过“生硬和粗暴”,但同时又不得不承认,他在探求光和户外的表现方法上颇有新意。这种放浪形骸的狂放创作手法是卡耶博特作画的特点,他因而在相当长的时间内得不到承认,同时他对印象派绘画大力资助的名气也超过了他自己画作的名气。所幸批评界最近已重新发现其作品的价值和创作手法的不落俗套。
character
2006-5-5, 15:39 PM
没有了吗  莫奈的  睡莲怎么没有呢  谢谢楼主让我看到了很多莫奈的很多没见过的~  再有些睡莲的就完美了 再次感谢``!~!
character
2006-5-5, 15:39 PM
应该还有把?
dzhtmcqg
2006-5-5, 18:54 PM
支持一下楼主!!!!!
北京大学
2006-5-6, 13:17 PM
《阿尔让特依》
克劳德·莫奈/1872
油画/50×65cm


  1840年生于巴黎 1926年卒于吉维尔尼

  莫奈的童年是在勒阿弗尔度过的。他在那里结识了尤金·布丁。在布丁的鼓励下,他开始习画。1862年,他曾拜一位学院派画家为师,但收效甚微。于是,他便同巴齐耶、雷诺阿、西斯莱等朋友一起,自学绘画。他们常在枫丹白露的树林边或诺曼底海边写生。莫奈的画起初在官方画展上曾获得不小成功,但不久就遭到封杀,原因是他在室外创作的一些作品,例如《花园中的妇人》(1866,奥赛博物馆),引起不少人的反感和抵制,人们难以接受这种具有高度自发性、概括性和技术自由的画法。1870年,莫奈去了伦敦,以躲避当时的战乱。1871年,他途经荷兰回国。在这期间,他有机会接触从弗兰斯·哈尔斯到透纳等绘画大师的作品,从中获益匪浅。在他1872年在勒阿弗尔港创作的,曾参加首届印象派画展的作品《日出·印象》(马尔莫当博物馆)中可以清楚地看出这种影响。莫奈从此成了新绘画的领头人物。无论在他居住的地方(从1883年起住在吉维尔尼),还是在他造访的城市(1899—1901年间,三次访问伦敦),他的作品均引起广泛关注。经过不懈的研究和探索,他在90年代初期,完成了不少系列作品,并在1900年之后画了许多以睡莲为题材的作品,最终成为最著名的印象派绘画大师。

  1870年法国经受了被普鲁士击败的打击,次年年初,巴黎公社人民起义又血洗首都,莫奈和其他艺术家一样,因害怕上前线而躲到了伦敦。随后他的妻子和儿子也来到了这里。他在伦敦参观了许多美术馆,对英国画家康斯太勃尔和透纳(Turner)的绘画技巧十分感兴趣。他们对光的特殊处理使物体的轮廓变得模糊,并将画的主题分解成色彩的符号。回法国前,他在荷兰小住几周。那里的河流和大海的景色又给了他用别具一格的构思,表现一种新的造型艺术的高超技艺的机会,那些饱蘸着色彩的笔触像是在画布上跳跃,这些色彩通常是纯色的《赞丹》(1871,奥赛博物馆)。

  同到法国后,他定居巴黎,住在第二帝国时期改造的一个新区:欧洲区。这个区靠近圣拉扎尔火车站,是艺术家的摇篮。莫奈在1871年12月搬到阿尔让特依居住后,还经常回到这里。那时他的创作活动十分频繁,他多次画周围的自然景色,附近的塞纳河,特别是他还积极探索如何把人物安排在风景画中。他不再画华丽的室内肖像画,如这次展出的戈迪拜尔夫人的肖像,这些画上的光线配置都是纯理论的。他潜心画一些亲人的画像,他的妻子和儿子在大自然中的画像,画的色调和光线都和周围环境相吻合。《阳光下的丁香》(1872,莫斯科普希金博物馆)完美地反映了他的追求。画中他的妻子卡米耶站在一棵开满花的树阴下,她的脸和裙子都反映了周围的色彩:粉红色和绿色印在了她的白裙上,光线透过树叶和鲜花落在她的身上,留下鲜亮的笔触。

  但从1872年到1878年1月他离开阿尔让特依之前,他画得更多的还是纯风景画。这些画流露出一种重又找回的幸福。的确,这时政局平静,莫奈充满创作激情,生活也不再拮据,这全靠1870年他在伦敦结识的一位商人保罗·杜朗-卢埃尔的帮助,这位商人仅在1872年就买了他29幅画。

  他1872年画的这幅画,地平线右侧的钟楼是阿尔让特依的圣德尼教堂,这就向我们揭示了写生的地点。有了这个标记,再看整个构图,便可以看出当时莫奈为了画出全景,非常可能在一艘布置成画室的船上作画。他的视野从远景地平线左面的阿尔让特依,一直到右面的奥尔日蒙山,还有近景左侧的马朗特岛的树丛。在这三个地点之间,有一些游船,有的收着帆,有的张满帆,在风中尽情嬉戏。这提示我们,阿尔让特依曾是巴黎地区的一个度假胜地,是游艇爱好者所青睐的地方。莫奈不用过于强烈的色调,而用非常柔和的色彩来表现河面上的平静,但是画中央的两个似乎正在给船安装缆帆的人物却多少打扰了这份宁静。一个夏日的晴天,淡蓝色的天空上飘着丝丝白云,远处村庄和山丘呈银灰色,笼罩在一片薄雾之中。水也像天一样多姿多彩。画的左侧都很独特,那里有用绿色笔触由浅到深画成的植物,它们还在画面上投下了阴影。莫奈注意到视觉印象的转瞬即逝,他在处理阴影和倒影时,常把它们作为构图的中心。这种做法在这里十分明显。在画的右半部的那艘船,没有任何复杂结构,只有伸向天空的两根桅杆和它们在水中的倒影,它们的高度几乎与画的高度相当,并与左边的垂直扩散线条互相呼应。

  这幅画描绘了一个刚通火车,被誉为旅游休闲胜地的地区的和平景象,尽管它的审美观和学院派的教条相去甚远,但仍不乏吸引人之处。保罗·杜朗-卢埃尔买了些这样的风景画,其他爱好者也有意购买。可是,当画的作者打算将它们提交公众评判时,反应却异常激烈,他们拒绝承认他,各种嘲讽铺天盖地地向他袭来。
北京大学
2006-5-6, 13:18 PM
《阿尔让特依的塞纳河》
克劳德·莫奈/1873
油画/50.5×61cm


  1840年生于巴黎 1926年卒于吉维尔尼

  莫奈的童年是在勒阿弗尔度过的。他在那里结识了尤金·布丁。在布丁的鼓励下,他开始习画。1862年,他曾拜一位学院派画家为师,但收效甚微。于是,他便同巴齐耶、雷诺阿、西斯莱等朋友一起,自学绘画。他们常在枫丹白露的树林边或诺曼底海边写生。莫奈的画起初在官方画展上曾获得不小成功,但不久就遭到封杀,原因是他在室外创作的一些作品,例如《花园中的妇人》(1866,奥赛博物馆),引起不少人的反感和抵制,人们难以接受这种具有高度自发性、概括性和技术自由的画法。1870年,莫奈去了伦敦,以躲避当时的战乱。1871年,他途经荷兰回国。在这期间,他有机会接触从弗兰斯·哈尔斯到透纳等绘画大师的作品,从中获益匪浅。在他1872年在勒阿弗尔港创作的,曾参加首届印象派画展的作品《日出·印象》(马尔莫当博物馆)中可以清楚地看出这种影响。莫奈从此成了新绘画的领头人物。无论在他居住的地方(从1883年起住在吉维尔尼),还是在他造访的城市(1899—1901年间,三次访问伦敦),他的作品均引起广泛关注。经过不懈的研究和探索,他在90年代初期,完成了不少系列作品,并在1900年之后画了许多以睡莲为题材的作品,最终成为最著名的印象派绘画大师。

  1873年,莫奈和他的朋友们一样,放弃把他的作品提交给官方画展的评审团,他也拒绝参加另立门户的,但经政府批准的画展——新落选者沙龙。皮埃尔-奥古斯特·雷诺阿参加了这一画展。然而,艺术家们和支持他们的记者们却依然十分活跃。评论家保尔·亚历克西在艺术家经常聚会和交流意见的盖布瓦咖啡馆听到不少争论,受此启发,他在5月5日的《民族未来》报上发表了一篇文章,提出要取消沙龙评审团以及要建立一个独立的艺术家协会。几天后,莫奈对此作出了反应。他提出要建立一个由不愿听命于学院派的清规戒律,希望描绘自然和日常生活的人组成的艺术家团体。但直到次年年初,即1874年1月17日,《艺术编年史》才登载了有关协会成立的文章:“一个由画家、雕刻家、版画家、石印家组成的,人员和资本机动的合作股份有限公司于12月27日成立,期限10年。公司的宗旨是:1.组织自由展览,既不设评审团,也不设荣誉奖。每一个公司成员都可展出自己的作品;2.出售参展作品;3.尽早发行一份只谈艺术的报纸。”但必须指出的是,最后一个愿望只是在1877年才暂时实现。印象派的开拓之旅终于起程。在以后的数年里,莫奈与其紧密相随。

  参加这个新协会的艺术家们在1874年展出了自己的作品,但他们的美学观点不尽相同。首次参展的有传统派艺术家,如画家爱德华·布朗东、雕刻家奥古斯特-路易-玛丽·奥丹,也有美学革新的拥戴者。克劳德·莫奈属于革新派,他展出了5幅油画和7幅色粉画。没有一幅画的标题明确地提及他居住的阿尔让特依,但却有标有巴黎和勒阿弗尔的画。由此可以推断,保罗·杜朗-卢埃尔和另外几个爱好者已购买了他最新的画作,包括这幅展品。我们对这幅画在1881年进入杜朗-卢埃尔画廊前的情况一无所知。

  这一次,莫奈把他的画架支在了陆地,将目光又一次投向阿尔让特依的村庄。在天水交接处,这个村庄半隐半现在河中央小岛上的树丛后,村里的钟楼又一次非常清晰地出现在画面上。还是他那经久不衰的构图:右边一大曲线,左边画出的对角线把人的目光引向远景。画家对秋天色彩的运用以及把这些色彩点缀到画布上去的手法深刻地显示了他的独到之处。整个阿尔让特依沉浸在一种即将逝去的光线中,这种光线只有莫奈才能表现得如此自然。他的每一笔都既短促又精确,这无疑更能表达出视觉感受的瞬息万变。他用丰富的色彩来表达这种瞬间的视觉所见,尽管学院派评论家因此说他作画草率。
北京大学
2006-5-6, 13:19 PM
《艾特达的马纳博特:水中倒影》
克劳德·莫奈/1885
油画/65×81cm


  1840年生于巴黎 1926年卒于吉维尔尼

  莫奈的童年是在勒阿弗尔度过的。他在那里结识了尤金·布丁。在布丁的鼓励下,他开始习画。1862年,他曾拜一位学院派画家为师,但收效甚微。于是,他便同巴齐耶、雷诺阿、西斯莱等朋友一起,自学绘画。他们常在枫丹白露的树林边或诺曼底海边写生。莫奈的画起初在官方画展上曾获得不小成功,但不久就遭到封杀,原因是他在室外创作的一些作品,例如《花园中的妇人》(1866,奥赛博物馆),引起不少人的反感和抵制,人们难以接受这种具有高度自发性、概括性和技术自由的画法。1870年,莫奈去了伦敦,以躲避当时的战乱。1871年,他途经荷兰回国。在这期间,他有机会接触从弗兰斯·哈尔斯到透纳等绘画大师的作品,从中获益匪浅。在他1872年在勒阿弗尔港创作的,曾参加首届印象派画展的作品《日出·印象》(马尔莫当博物馆)中可以清楚地看出这种影响。莫奈从此成了新绘画的领头人物。无论在他居住的地方(从1883年起住在吉维尔尼),还是在他造访的城市(1899—1901年间,三次访问伦敦),他的作品均引起广泛关注。经过不懈的研究和探索,他在90年代初期,完成了不少系列作品,并在1900年之后画了许多以睡莲为题材的作品,最终成为最著名的印象派绘画大师。

  地处科镇诺曼底海岸的艾特达有着十九世纪艺术家们最为欣赏的景色。它的名气来自于它的天然奇观奇形怪状的白垩悬崖,水流冲击出的三个拱孔,上游门和下游门以及位于侧面被海水雕刻出来的一根奇特的尖针,即高达70米的一块方尖形纪念碑和马纳博特(大门)等。容金德于1851年来到艾特达。柯罗虽然喜爱农村胜过海滩,但还是在1872年画了了这个海滩,构图结构严谨。布丁和他的朋友莫奈被同样的题材吸引。而流动的海水对坚固的白垩峭壁的冲击吸引了德拉克洛瓦,他用这个主题画了些水彩画和水粉画,比1869年来这里的库贝尔和1868年首次来此地小住的莫奈都要早。德加于1882年,雷诺阿于1883年分别来到这里观看辽阔的天空,时而平静时而狂暴的大海,耸入云霄的峭壁,空气以及变幻无穷的光线。

  自1868-1869年冬在艾特达小住后,莫奈在1883-1885年间每年都叫到这里。1885年9月中旬,他离开吉维尔尼来到达里,一直住到12月中旬。起先,全家一起来,住在他的朋友,印象派绘画作品的大收藏家,男中音歌唱家让-巴蒂斯特·富尔家中。后来,他独自住在小旅馆里,按自己的习惯生活,走遍峭壁间的小路。他从一切可能的视角观察它们:从山顶,从海滩或紧靠水边。有一次,11月27日,他思想过于集中,一股潮水把他冲到悬崖壁上,回落时又把他连同他的画架、画布和调色板一起卷走。能在和素材的互动中作画,在印象派画家看来,这全归功于一种能把颜料装进小管内的新工艺。人们不再用需要研碎,再和一种配方极为保密的黏合剂搅拌后才能使用的颜料作画。这种颜料搬运时必须将它们放在皮口袋里。由于它们会被氧化,所以需要比较笨重的装置。1841年,美国画家约翰·兰德发明了放颜料用的软金属管,从此,画家们就可以带着轻便的画盒到室外写生。雷诺阿十分幽默地评价这一革命性的进步:“正是这些便于携带的颜料管使我们能完全进入大自然作画。没有它们,就没有塞尚,没有莫奈,没有西斯莱,没有毕加索,更没有被记者们称为印象派的一切。”颜色的品种也不断增多。莫奈喜欢的色彩有银白色,1840年末才出现的镉黄色,1822年才有的祖母绿色,1807年的钴蓝色,朱红色和茜红色。

  马纳博特是一个很特别的题材,它在另一个仰视的画面中也曾出现过。为了画这个天然形成的拱形孔,“一个可以通过一艘船的大洞”,莫奈在悬崖顶上走了很远,以便在这块穿孔巨石外安营扎寨,在画布上再现面对大海的白垩“哨兵”的孤独。峭壁截获了所有阳光和通过水折射出来的光线,在蓝色和灰色的天空中加入了浅粉色和橘黄色。它在水中的倒影在蓝绿色的水面上随着绿色和粉色的波纹抖动。整幅画处理得像是一幅草图。笔触和色彩短暂而快速地在画布上留下蓝、黄、绿色分开或合成的细纹,既无图案也无细节。悬崖就像是从海中自然生成,和大海融为一体,与天空和睦相处。

  诺曼底作家莫泊桑在艾特达有一小屋,曾和莫奈见过几面,1886年还曾为他写了一篇文章,题为《一个风景画家的生活》,他描述了莫奈的作画方法:“我经常跟着克劳德·莫奈去寻找印象。他已不再是画家,而是猎人。他走着,身后跟着一群孩子,他们帮他提着五六幅同一题材但在不同时刻画的、因而有着不同效果的画。他随着天空的变化,轮流拿起它们。这位讨厌弄虚作假和墨守成规的画家,面对着他的画,等待着、窥伺着太阳和阴影,他几笔就把洒落的光线和飘过的云朵采集下来,快速放在画布上。我曾亲眼目睹他这样抓住一簇落在白色悬崖上的灿烂阳光,把它锁定在一片金黄色调中,使这难以捕捉的、耀眼的光芒产生令人惊异的效果。”
北京大学
2006-5-6, 13:19 PM
《维特依,早晨》
克劳德·莫奈/1901
油画/89×92cm


  1840年生于巴黎 1926年卒于吉维尔尼

  莫奈的童年是在勒阿弗尔度过的。他在那里结识了尤金·布丁。在布丁的鼓励下,他开始习画。1862年,他曾拜一位学院派画家为师,但收效甚微。于是,他便同巴齐耶、雷诺阿、西斯莱等朋友一起,自学绘画。他们常在枫丹白露的树林边或诺曼底海边写生。莫奈的画起初在官方画展上曾获得不小成功,但不久就遭到封杀,原因是他在室外创作的一些作品,例如《花园中的妇人》(1866,奥赛博物馆),引起不少人的反感和抵制,人们难以接受这种具有高度自发性、概括性和技术自由的画法。1870年,莫奈去了伦敦,以躲避当时的战乱。1871年,他途经荷兰回国。在这期间,他有机会接触从弗兰斯·哈尔斯到透纳等绘画大师的作品,从中获益匪浅。在他1872年在勒阿弗尔港创作的,曾参加首届印象派画展的作品《日出·印象》(马尔莫当博物馆)中可以清楚地看出这种影响。莫奈从此成了新绘画的领头人物。无论在他居住的地方(从1883年起住在吉维尔尼),还是在他造访的城市(1899—1901年间,三次访问伦敦),他的作品均引起广泛关注。经过不懈的研究和探索,他在90年代初期,完成了不少系列作品,并在1900年之后画了许多以睡莲为题材的作品,最终成为最著名的印象派绘画大师。

  1878-1881年,莫奈曾住在维特依。那时他还不为人知,生活也十分困难。1879年9月,他的妻子卡米耶——两个孩子的母亲,在这里去世。面对这么多灾难,莫奈的画,此时几乎全是纯风景画,色彩黯淡,有时像是刺耳的半音和弦,表现出深深的哀伤。他多次在不同的季节,面向维特依村,描绘它的庞大身影,其中部分被河岸的树林遮挡《雪中的维特依》(1879-1880,奥赛博物馆)。

  二十年后,已经成名的艺术家在物质上已相当宽裕,他经常故地重游。1883年,莫奈定居吉维尔尼并在1900年买了一辆汽车。从此,只要他舍得放下他的花园向他提供的素材,他便带上未画的或正在画的画布,驾车前往拉瓦库尔和维特依周围的景点。他从拉瓦库尔当地居民尚布里夫人租给他的一栋小楼的阳台上,在几乎同样大小的方形画布上,画了15幅维特依的景致,这些画非常近似但又因不同的色彩处理而各有特色,它们按自然顺序编入19世纪90年代初完成的系列画中。为了突出它们是在不同时段画的同一主题,好几幅画在标题上都注明了作画的时间或天气状况,如《维特依,下午》(施韦因富特、格奥尔格·舍费尔收藏),或《维特依,粉红色效果》(芝加哥艺术学院)。

  这里展出的里尔美术馆收藏的那幅画清楚地分为三个不同的部分:塞纳河占据了画布的多一半高度,直到河岸,河岸上的金字塔形的多面体代表村庄。为了使构图更显生动,村庄向画的左边偏移,最左面的房子似乎要碰到画的外缘。所有的建筑都以山为背景,只有在高处的钟楼以天为依托,而天只占画面的很小部分。每一部分的色彩各具特色,都是通过对笔尖的不同运用而画成。前景部分长长的水平线条展示出不同的蓝色,其中还有些阴影和橙黄色。绿色和橙红色的粗粗几笔刻画出河岸,而岸边则成为由房屋和教堂组成的多面体的基础,它被处理为极具特色的垂直小杠。笼罩一切的晨雾淡化了整个画面,墙面变成接近白色的浅黄色,红色的屋顶变成橘红色。村庄背后的山用斜画的绿和紫两种互补色彩来表现,以便突出村落。天空采纳了背景部分的所有色彩,只是加以淡化,手法更加细腻、轻柔,以致流畅的画笔痕迹难以辨认。

  莫奈的6幅维特依风景画,包括里尔的这幅,和卡米耶·毕沙罗的新作,均于1902年2月20-28日在巴黎伯恩海姆兄弟画廊展出。画展又一次获得成功。慕名而来的评论家大谈这一绘画技法的现代特征。
北京大学
2006-5-6, 13:21 PM
《睡莲,晚间效果》
克劳德·莫奈/1907
油画/100×73cm


  1840年生于巴黎 1926年卒于吉维尔尼

  莫奈的童年是在勒阿弗尔度过的。他在那里结识了尤金·布丁。在布丁的鼓励下,他开始习画。1862年,他曾拜一位学院派画家为师,但收效甚微。于是,他便同巴齐耶、雷诺阿、西斯莱等朋友一起,自学绘画。他们常在枫丹白露的树林边或诺曼底海边写生。莫奈的画起初在官方画展上曾获得不小成功,但不久就遭到封杀,原因是他在室外创作的一些作品,例如《花园中的妇人》(1866,奥赛博物馆),引起不少人的反感和抵制,人们难以接受这种具有高度自发性、概括性和技术自由的画法。1870年,莫奈去了伦敦,以躲避当时的战乱。1871年,他途经荷兰回国。在这期间,他有机会接触从弗兰斯·哈尔斯到透纳等绘画大师的作品,从中获益匪浅。在他1872年在勒阿弗尔港创作的,曾参加首届印象派画展的作品《日出·印象》(马尔莫当博物馆)中可以清楚地看出这种影响。莫奈从此成了新绘画的领头人物。无论在他居住的地方(从1883年起住在吉维尔尼),还是在他造访的城市(1899—1901年间,三次访问伦敦),他的作品均引起广泛关注。经过不懈的研究和探索,他在90年代初期,完成了不少系列作品,并在1900年之后画了许多以睡莲为题材的作品,最终成为最著名的印象派绘画大师。

  “只有在吉维尔尼见到克劳德·莫奈,你才能了解他,了解他的个性,他的生活情趣,他的内心世界”,他的朋友和传记作家古斯塔夫·热弗鲁瓦这样写道。1883年莫奈全家搬到吉维尔尼,这是一个位于巴黎和鲁昂之间的村庄。之后,莫奈便着手建设一个花园。对于这个花园,他自己评价道:“这是我最美的作品。”这里是他最后的栖身地,他在此共生活了43年,接待过他的朋友西斯莱、毕加索、奥古斯特·罗丹、克莱蒙梭、保罗·西涅克、皮埃尔·博纳尔和卡耶博特。他们都是乘船来拜访莫奈。莫奈的最大乐趣就是梦寐以求的“水上花园”,既为了“赏心悦目”,也为了“给绘画提供素材”。工程进行起来很困难,因为必须得到当局同意,将流经他房子旁边的诺曼底的艾泊特河的一条支流改道数百米。这个1893年建成的,成不规则椭圆形的“水和倒影的花园”和日本版画中的花园很相似。这些日本版画挂满了他餐厅的墙壁。日文画题的意思翻译过来似乎应该是“飘浮世界的映象”。

  一座漆成绿色的日本式的拱形木桥跨越池塘;水菖蒲、百子莲、杜鹃花科的观赏植物和绣球花环绕并保护着池塘。水面上漂浮着粉红色的睡莲。柳树和紫藤直泻水面,使水的色调变得更深更蓝。直到1895年,莫奈才画了第一张池塘和日本桥的花。从1898年起,他又画了些同一题材不同版本的方形画,其中10来幅曾在杜朗-卢埃尔画廊举办的他的新作展中展出。

  1901年,莫奈在他的池塘的延伸处又购置了一块地,池塘面积因此扩大了三倍。周围更精致,更具装饰性地种了竹子和日本樱桃树……他还安装了一个水泥槽,以便保护异国情调的睡莲不受水温过热的伤害。1903年至1909年,以睡莲池塘为题材的画重新出现。但是,如果人们在最初的画中还能分辨前景,延伸和周围景致的话,那么,在1904年后,漂浮在水面上的华丽睡莲则开始占据整个画面。

  1907年夏,莫奈在画中对光线的处理做各种尝试。所有的竖画都被“一条条长长的光束从上到下垂直穿过”,经过画面的两处阴暗部分,洒满画的下端。《睡莲,晚间效果》一画,在鲜黄、橘黄和朱砂色彩的烘托下,像是一团燃烧着的火。旋风般强劲的笔触增加了火焰在睡莲云间扭曲上升的感觉,呈现出一片视觉的梦幻世界。这里,没有睡莲,只有一个个暗暗的大圆盘,其中,时有明亮的笔触将它们凸显出来。再也没有空间的标志,只有被画笔捕捉到的光和色彩。

  1909年,莫奈在杜朗-卢埃尔画廊展出他在1903-1908年间画的48幅画,他自己为它们取名为:《睡莲,水景系列》。1907年所创作的竖画中的14幅也在其中。画展大获成功。展出的作品只标明日期而没有标题。记者和文艺评论家们立即感受到这个动感和奇特世界产生的视觉效果“所有这些光彩夺目的画流露出完美的和谐,既充满活力,又温柔宁静。我们简直看呆了。但我不无忧伤地想到这些实为一体,相互补充的动人作品即将分散各地,它们只是短时间地聚在一起给人们一个整体的概念,让人们感受到它们抒发的全部诗情画意。从此,人们再也不会在任何地方像我们现存这样看见它们聚集在一起。它们将分散到世界各地,它们仍然精美,但每一幅画只能展现出部分神秘……当然,我们更愿意看到它们全部被收藏在博物馆的某个展室,使人们可以去欣赏它们,去享受它们既壮美又宁静的,无与伦比的画面。”


  莫奈很久以来就有画大型装饰画的想法:“我曾想用睡莲来装饰客厅沿墙伸展,占据全部墙面,使人产生置身于无边无际水面的幻觉;在那里,因工作而绷紧的神经将得到松弛,就像这些水一样,不再流动,静止休息。这间屋子还可以给居住者提供一个在开满鲜花的水族馆中央静思的机会。” 

  这个身处不断扩张的城市中央的迷人小岛一直存在……莫奈在长达4年的沉寂后,从1914年起,投身于“大型装饰画”。1918年11月12日,第一次世界大战停战次日,他写信给克莱蒙梭,提议捐给国家一套装饰壁画,为此,他画了又画,直到1926年去世。1927年5月17日在杜伊勒里宫的柑橘园,人们发现装饰着“水和倒影的风景画”的两个圆形大厅,这是一个由阴影和光线组成的、水上漂浮的世界;时间暂时停顿下来,每个人都沉浸在画家的一项最富诗意、最具革命性的创作中,尽情地思索,遐想。
北京大学
2006-5-7, 11:18 AM
《自画像》
保罗·塞尚/约作于1875
油画/64×53cm

作者  | 2008-8-15 19:32:54 | 阅读(359) |评论(0) | 阅读全文>>

查看所有日志>>

 
 
 
 
 
 我要留言
 
 
 
留言列表加载中...
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 

页脚

网易公司版权所有 ©1997-2014

创建博客 登录  
 加关注