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美术作品赏析

2008-8-16 15:14:47 阅读2652 评论0 162008/08 Aug16

作品赏析

一、中国绘画作品

  《墨梅图》是元代画家和诗人王冕的作品,在绘画方面,他以画“墨梅”,常以此借物抒情。本幅画是他的代表作。一支含苞欲放的梅花,横斜在画幅中间,劲拔的枝干有数尺之长;已开未开的梅花洋溢着一种蓬勃的生机,显得十分清新可爱。画的左上角有画家自己的一首诗。这首诗和梅花一样,充满着生气。它不仅说明了画家创作这一作品的意图,而且吐露了他的胸怀和理想。在画法上笔力挺秀,圈梅花时创造了一种一笔两顿挫的方法。全画虽然只用淡墨,却能把梅花姿态表现的十分动人。

  《早春图》是宋代画家郭熙的作品。该画是画家的传世作品的代表作。它描绘早春时节清晟的山景,薄雾笼罩山腰,树枝尚未放青,但已吐出新芽,山涧溪水已经解冻。泉水潺潺,形成一潭清浅春水,大自然处处萌发着生机,确是北方的早春季节。这种描绘自然景物中自然流露出的季节特点,与郭熙强调的画山水要表现不同季节特征的观点,是完全一致的,而这也只有通过对大自然的深入观察研究方能达到。

  《牡丹焦石图》是明代画家徐胃的作品。徐胃字文长,号青藤道人,浙江绍兴人。他是一个具有进步倾向的诗人、戏剧家、书画家。在诗文、戏曲、书画等方面,都有相当的造诣。在绘画上,他敢于革新、创造,他的水墨写意花卉画,充分发挥了中国水墨画的笔墨技巧,用笔放纵但不失其真实,水墨淋漓,浓淡干湿恰到好处。它比一般水墨写意画得更加豪放、泼辣,故称其为“大写意”。这幅画就是他的这种画风最有代表性的作品。徐胃的这种画风对明末清初以至近现代的中国花鸟画具有重要的影响。

  《牧马图》是唐代画家韩擀擀的作品。画家年轻时曾做过酒店雇工,后受到著名诗人、画家王维的赏识,资助他学画。他善画人物,尤其精于画马。本幅画画的是一马倌骑白马与另一黑马并 缓行,不画任何背景。黑白二马各部分比例匀称,透视解剖也很准确。用色虽是浅设色,但由于黑白对比色中加上少量朱红,并不使人感到单调。马倌的形象威武有力,两眼炯炯有神,这都说明画家具有很高的写实功力。

  《虾》是现代画家齐白石的作品。画家出身贫苦,当过木工,工余自学绘画,27岁是才拜师学画,进而学诗、篆刻。他对绘画艺术的突出贡献,是将质朴天真的劳动人民的情感与传统的文人画形式有机的结合在一起,使他的绘画具有雅俗共赏的特点。虾是齐白石喜爱的题材之一,他把虾准确的形态,外硬内柔而又透明的身躯,以及虾在水中浮游的动势,都精确而生动的表现出来了,真是栩栩如生。但是,细看画中的笔墨,却是非常简练,不能多一笔,也不能少一笔,笔画历历可数。

  《鸡冠花》是现代画家林风眠的作品。属于花卉画,他并不完全忠实于客观真实的花,我说它似与不似,重要的是画家既表现了鸡冠花的重要特征,同时又灌注了画家炙烈的情感,它使人感到花的强烈生命感。画中那一丛浓艳的弧状鸡冠花盛在弧形盆里,高处的弧线,紧紧拥抱这着低处的弧线,炙烈的感情溢于画面。

  《山村飞瀑》李可染 现代
  画家20年代末参加“一八”艺社,30年代投身爱国救亡运动,40年代执教于重庆国立艺专,将一腔爱国热忱付诸丹青。解放后以革新中国山水画为己任,立志为祖国山河立传,对中国现代山水画的发展做出了杰出的贡献。这幅《山村飞瀑》是画家本人最喜爱的作品之一。它不是某一个具体山村的简单再现,而是基于现实生活的再创造,这一切又显得那么真实、亲切。尤其值得注意的是,它提出体现了画家运用积墨法的高超造诣。

  《群马图》徐悲鸿 现代
  在画家的大量作品中,马是他最喜欢的题材之一,他画的马大多是奔放不羁的野马。他笔下的马总是比较瘦。有人以为是美中不足,其实,那是画家有意为之,正如唐代大诗人杜甫认为的,马的神气是由骨表现出来的,所以画马重在画骨,而且画骨要比画肉更难。徐悲鸿创造的许多风棱瘦骨的形象,与他要表现的天马行空、令人神往的思想境界和豪放中略带犷悍的艺术风格是一致的。

  《桃实图》是清代画家吴昌硕的作品。画家自幼家境清寒,靠刻苦自学逐渐成才。他的绘画主要是花卉画,尤爱画梅、兰、竹、荷花、紫藤等一类题材。这幅作品是他的传世精品,作于他72岁。他自己曾经说过,画桃子大为不易,要画得好,更须功力。此画不仅布局极具匠心,而且用笔融入画家擅长的篆留手法,以长锋羊豪悬肘挥写,笔意雄健,如左侧桃枝下垂一长竖,极有功力。画桃实的颜色,浓重浑厚,艳而不俗,画面右侧自叶下一行直款,直拖至底,使画面的章法更加完美,充分体现了画家多方面的艺术造诣。

  《母亲》油画,陈逸飞。作者以娴熟、细腻的笔法刻画了一个藏族母亲和她的两个孩子的形象。画面构图新颖、造型准确,整幅画以暖色调正统一,和谐而厚重,很好地表达了藏族的风貌和特点,显示了作者坚实的造型功力和高超的艺术造诣。

  《海风》水彩,蒋跃。作品描绘了南方沿海地区的风俗民情。亲人远洋打鱼满载而归,妇女们挑着丰收的鱼儿脸上露出幸福的笑容。三位妇女动作、表情各不相同,构图有聚有散,非常巧妙,色调表现为深色背景衬托浅色人物,非常醒目。技巧应用上作者发挥了水彩透明清新的特点。总之,这是一幅成功的作品。

  《塔吉克舞》国画,黄胄。作者长期深入新疆少数民族地区,对风俗民情和一草一木都非常熟悉,因此刻画形象准确,栩栩如生。本图虽然只有两个塔吉克民族的舞蹈人物,但动作的优美,神态的生动充分显示出画家的深厚功底。

  《十月》油画局部,孙为民。画面描绘了北方秋天的景象,一位天真淳朴的农村少女提着小篮悠闲地靠在小树上,两只山羊卧在后面,在暖暖的阳光下整个作品显得怡静,真是一幅优美的田园风光。

  《红土地》套色木刻,李成忠。云南民俗风情表达准确,技法上,充分发挥套色木刻的特点,刀法娴熟,色调统一,可以看出是一位造诣很深的版画家。

  《正月初一》国画,赵国经,王美芳。以坚实的造型功底刻画了二位少女的甜美形象,人物的重彩艳服与背景的皑皑白雪形成了强烈的色彩对比,真可谓红装素裹,那欢悦的人物表情和漂亮的服饰恰当的表现了新春佳节的主题。

  《五餐》油画,李自健。取材农村生活,描绘了正午时分一个天真可爱的娃娃正在吃饭,亲密的伙伴鸡狗围在旁边,亲切和谐加上前景道具真如置身于一个恬静祥和的农家之中。

  《惊鸟》油画局部,王沂东。极高的造型功底,画面通过一个小女孩好象看见一只鸟惊飞的情节,生动地刻画了一个腼腆、淳朴的农家女孩的形象。

  《我的冬天》作者韦尔申,刻画了一个小姑娘堆雪人的场景。画家发挥了油画写实性强的特点,将人物的神情和道具都表现得那样细腻、真实。因此具有很强的感染力。

  《赶集》作者周思聪,画面上,两个少年受执斗笠,臂挽竹篮,信心十足地走在赶集途中,从面部表情的塑造上就可以看出姐弟俩掩饰不住的内心喜悦。作者抓住了儿童好奇、活泼的心理,表现他们心花怒放的神情。

  《蝴蝶》作者陈之川、蒋某某,表现的是一个边寨儿童正在细心采集标本的场面。画面的装饰性很强,人、花、蝴蝶组成了一幅漂亮的图案。女孩子那专注的神情充分体现了其主题思想。

  《龙之子》作者丁兆明,作者采用民间绘画风格,以四个儿童占据画面四角,中间有一个飞龙,使画面产生一种旋转感。龙是中国的象征,我们是龙的传人,作者正是基于这一点创作此图。作者在构图、设色上利用传统民间绘画的方法,以饱满的构图、清晰的线条、装饰性强的造型、单纯明艳的色彩,使作品达到了使人耳目一新的艺术效果。

  《白鸽》作者徐匡,是一幅版画作品。作者用版画的特殊语言,用细腻的表现手法,运用光影素描的基本方法,高度提炼概括,成功地塑造了一个活生生的特点突出的少数民族小姑娘形象。

  《一束鲜花》是我国著名画家刘文西的作品。作者几十年来一直深入陕北农村,创作以领袖在延安时期为题材的优秀作品和习作。作者以极强的写实功力刻画了一位天真、烂漫、活泼、可爱的农村女孩的形象,加以周围景物的描绘,使人仿佛置身于陕北农村之中。整篇作品无论从人物刻画的准确、生动,还是对环境描画的真实、典型,都充分显示了作者极高的艺术造诣。

二、外国美术作品

  《小鸟的捕食》米勒
  这是米勒定居巴比松村后创作的表现农村儿童的题材的一系列作品的杰出之一。米勒之所以重视农村儿童题材的表现,正如他自己所说的:“人们正是为了孩子而胼手胼足、满面污水地去劳动”。因此,他非常喜欢儿童,他自己就有九个孩子。当创作这幅《小鸟的哺食》的时候,他终于摆脱了长期的贫困,生活日趋安定。所以,在这一作品中,他通过一个农妇正给孩子喂食的情结,创造了动人的母与子的形象,着重抒发了农民的亲子之爱和天伦之乐,充满了生活情趣和温暖的柔情。米勒谈到这一作品时曾说过:“人们想象这是一窝小鸟,母女在喂食,为了让他们有东西吃,人在劳动。”可见,米勒给这一作品题上《小鸟的哺食》,既有增加感情色彩的作用,同时以包含着更深刻的意义,米勒的作品就是这样看似平常,实际上意味深长。

  《又是一个两分》菲.列歇特尼科夫
  由于考试成绩不理想,不仅自己沮丧,还招来了姐姐的白眼,母亲的呵斥,甚至弟弟的蔑视。但狗却不知道这里边的变故,依旧对他显示出友好,而今天他实在无法再恢复往日的心情了。这个画面抓住了生活中有意义的一瞬,同时表现了各自不同的心理,既自然,又在情理之中,谁看了都会发出会心的微笑。

  《蓝色扶手椅中的小女孩》19世纪美国著名女画家卡萨特所作
  这是19世纪美国著名女画家卡萨特所作。卡萨特生于美国,后来长期定居法国,与法国印象派画家,特别是德加保持了近40年的友谊。由于德加的推荐,她是参加法国印象派画展唯一的美国画家。她除擅长油画外,还精于色粉笔画和版画。她终身未嫁,但她喜欢描绘妇女和儿童,尤其是表现母爱的主题。她的作品色彩明快而富于变化,始终洋溢着一种欢乐的气氛。《蓝色扶手椅中的小女孩》,构图和用色都很新颖。据画家自己讲,最初她只花了扶手椅中的孩子,后来德加觉得画面很不错,就让卡萨特添上背景,变成现在的面貌。这种不规则的构图,显然是从日本浮世绘和当时新发明的摄影术中得到的启发,舒服地躺在扶手椅中的小女孩,与左侧椅子上熟睡的小狗,巧妙地取得了构图上的均衡。大面积的蓝色与小女孩粉红色的皮肤,雪白的衣裙,形成了鲜明的对比,蓝色扶手椅套子上的星星点点红色,使全画冷色调更显得惹人喜爱。

  《面包》德国女画家凯绥·柯勒惠支
  柯勒惠支是一位进步的女版画家,鲁迅先生曾高度称赞她说:“在女性艺术家中,震动了艺术界的,现代几乎无出于凯绥·柯勒惠支之上。”并将她的作品介绍到中国来,对我国的版画艺术发展起了决定性的推动作用。在艺术家的一生中,创作了大量以工人阶级、农民阶级及妇女儿童为题材的作品。画家满怀对劳苦大众的同情,刻画了他们的悲惨生活和反抗斗争。《面包》这幅画中的两个孩子拉着母亲叫喊着饥饿,而母亲又没有吃的给她的孩子,那凄情惨景已跃然纸上,画面上母亲的形象虽然只是一个背影,但她那痛苦欲绝的心情,已经表达的淋漓尽致了。

  《向日葵》荷兰 梵高 
  这幅画色调单纯、强烈、响亮,色块凸起,线条粗犷、跃动,画面上虽然只是一盆向日葵,但画家把燃烧的炽热的感情赋予作品之中。

  《阳台上》19世纪法国著名画家雷诺阿
  这幅画的作者是19世纪法国著名画家雷诺阿。雷诺阿是印象派中以画人物为主的画家,他最擅长画妇女儿童,《阳台上》描绘的是一个美丽安详的母亲和可爱的孩子,整幅画面上洋溢着欢乐的气氛。作家布拉说:“雷诺阿可能是唯一从未画过悲伤作品的画家。”

  《保尔和木马》西班牙现代派画家毕加索
  是20世纪西班牙现代派画家毕加索的作品,他是个不断变换艺术手法的探索者,也是立体主义创始人之一。《保尔和木马》把变形的手法和非洲艺术风格结合起来,略显几何状的分割形式,使男孩和木马组合的和协调,色调较明快,是毕加索一生中为数不多的儿童题材作品。

作者  | 2008-8-16 15:14:47 | 阅读(2652) |评论(0) | 阅读全文>>

柯勒惠支:《面包》

2008-8-16 15:08:11 阅读1106 评论0 162008/08 Aug16

 
 

作品描写的是第一次世界大战后德国儿童与妇女饥饿形象的一个侧面,因为没有面包,两个饥饿的孩子拉扯着母亲的衣服在啼哭,无可奈何的母亲留给我们的只是一个背影,但仍无法掩盖内心难以抑制的悲痛感情,只用了简练的几笔,但处在生活重压下苦难而伟大的母性形象已跃然在眼前。作品没有烦琐的线条,也没有色彩的渲染,但每根线条都蕴含着强烈的爱憎和情感,在黑白世界里囊括了感人肺腑的力量。

凯绥·柯勒惠支及其作品  
       凯绥·柯勒惠支(Käthe Kollwitz 1867年 7月8日 - 1945年 4月22日)是德国表现主义版画家和雕塑家,20世纪德国最重要的画家之一。  
       柯勒惠支出生于俄罗斯克尼哥斯堡(现在的加里宁格勒)的一个德裔家庭,原名凯绥·施密特。14岁时即开始学习绘画,1884年进入柏林女子艺术学院学习,后来又到慕尼黑学习。1889年和在贫民区服务的医生卡尔·柯勒惠支结婚,1898年开始在柏林女子艺术学院任教。其间几次游历巴黎和意大利。1909年回国后为一个漫画杂志Simplicissimus.工作。这时她已经成为一个社会主义者。她的早期作品《织工反抗》、《起义》和《死神与妇女》、《李卜克内西》 、《战争》(组画)等,不仅以尖锐的形式把在资本主义制度下工人阶级的悲惨命运和勇于斗争的精神传达出来,而且唤醒人们反对侵略战争,要根除战争根源,实现世界大同的理想。 
      1914年在第一次世界大战中,他的儿子被征入伍在西线阵亡。1920年她和爱因斯坦等人组织成立了国际援助工人组织。1932年她和其他社会主义者组成反对纳粹的阵线,希特勒上台后,她被取消普鲁士学院院士的荣誉,虽然她是第一位被选为普鲁士学院的女性院士,并禁止她的作品参加展览。1940年她丈夫去世,1945年他的孙子又在东线阵亡。1943年她的住宅被炸毁,她离开柏林到德累斯顿附近的一个小镇居住,并在那里逝世。 
      她因为和丈夫居住在贫民区,了解普通人民的贫困境遇,她的作品从一开始就反映普通人民的贫苦生活,因此在第一次获得金奖时,就被当时的[威廉二世]]国王取消。后来她又创作了《悼念卡尔·李卜克内西》和为工人组织创作的一系列招贴。儿子去世后又创作了许多悲伤母亲的形象,宣传反战思想。她的作品充满悲伤和凄惨的情绪,如实反映了19世纪末20世纪初德国底层人民的可悲状况。柯勒惠支还对铜版画和石版画的技术有许多改进和创造。 
      柯勒惠支的作品首次被鲁迅先生介绍到中国,对中国现代版画的发展起了很大的影响。鲁迅评价她的作品是:“她以深广的慈母之爱,为一切被侮辱和损害者悲哀,抗议,愤怒,斗争;所取的题材大抵是困苦,饥饿,流离,疾病,死亡,然而也有呼声,挣扎,联合和奋起。” 
1945年4月22日卒于德累斯顿。 
生平大事记 
1867年(与诺尔德同年)生于东普鲁士的柯尼斯堡。  
1884年在柏林美术学院学习,后又在慕尼黑继续深造。  
1885-1886年在柏林从师施陶费尔-贝尔恩,学习马克斯·克林格尔的蚀刻组画。  
1890年创作了第一批铜版画。1891年与“施诊医生”卡尔·珂勒惠支结婚。  
后经画家门采尔推荐,当选普鲁士美术学院成员,主持版画部工作。  
1919年从师巴拉赫,改学木版画。  
最初的作品是《纪念李卜克内西》,此后在1922-23年创作了组画《战争》。  
1927年应邀访问苏联,苏联的社会主义建设大大鼓舞了她 ,回国后创作的石版画《游行示威》、《团结就是力量》、《母与子》等,表明了她对无产阶级解放事业的新认识,艺术水平也达到一个新的境地。  
1931年她的作品被鲁迅介绍到中国来,1936年又出版她的作品集,对中国新木刻运动的发展起了推动作用。  
作为一个勇敢的反纳粹女战士,1933年她愤然离开了普鲁士美术学院。  
1933年希特勒上台,她虽然受到迫害,仍坚持作画,代表作《死亡》和《哀悼基督》以粗犷的线条,强烈的黑白对比,描绘了生与死的激烈搏斗,宣泄了她愤懑的情绪。  
1942年“全面开战“时,她发表了最后一幅木版画作品《不要把收获的粮食磨成粉》。  
1945年战争即将结束时死于德累斯顿附近莫里茨山  
1979年北京举办《珂勒惠支作品展》,展出了她一生中最主要的作品113件。  
柯勒惠支的主要作品 
穷困(1893年)  
末日(1897年)  
下工的工人(1897年)  
自画像(1897年)  
起来(1899年)  
自画像(1900年)  
哀悼去世孩子的妇女1903年)  
觉醒(1903年)  
战场(1907年)  
囚徒(1908年)  
志愿者(1920年)  
母亲们(1921年)  
不要再发生战争(1924年)  
自画像(1924年)  
死神的召唤(1934年)  
自画像(1938年)

   
  
  

 


作者  | 2008-8-16 15:08:11 | 阅读(1106) |评论(0) | 阅读全文>>

法国印象派绘画代表珍品展(全程图文解说!)

2008-8-15 19:32:54 阅读411 评论0 152008/08 Aug15

《赛艇》
居斯塔夫·卡耶博特/1878
油画/155×108cm


  1848年生于巴黎 1894年卒于小热讷维耶

  1873年,卡耶博特在美术学院学习时是列昂·博纳的学生,博纳是当代绘画艺术学院派的代表。但卡耶博特很快就放弃了学业,转而进行印象派绘画的探索。由于家底殷实,没有经济压力,不必依靠卖画维持生计,所以他能够在印象派画家朋友们的影响下进行实验性的工作。1876年,他的两个版本的名作《刨地板工人》(1875,分别由奥赛博物馆和私人收藏)参加了第二届印象派作品展览。直至1882年,他每年都要参加各种画展。当巴黎人对奥斯曼男爵的市政改造工程和金属建筑结构的泛滥议论纷纷、怨声载道时,他将自己变成了一名采访记者。(《欧洲大桥》,1876,日内瓦小皇宫博物馆)。

  从1876年起,他经常资助印象派画家朋友,出钱购买他们的一些作品,其中包括莫奈的《圣拉扎尔火车站》的多个版本和雷诺阿的《加莱特磨坊))。他个人藏品中有63幅画作为遗赠,但因为它们与当时的美学潮流背道而驰,所以只有一部分被接受。1896年,自诩为现代艺术博物馆的卢森堡博物馆也只收藏了其中的35幅油画和粉笔画。

  居斯塔夫·卡耶博特有幸生在巴黎一富有之家,可以从事绘画及其他爱好,如划船、驾驶快艇、集邮和种植稀有植物,而无须为日常用度发愁。他还大力资助莫奈、雷诺阿、毕沙罗、塞尚、西斯莱、德加等好友,收购他们的画,为他们的画展慷慨解囊。确实,还在很年轻的时候,他便已加入印象派画家的阵营,1876年曾应雷诺阿和亨利·鲁阿特的邀请参加第二届印象派画展。此后举办的各届画展他没有一次缺席过,一直到1882年。从这一年起,他作为画家的创作活动渐渐地放慢了节奏,直到他干1894年过早地离开人世。去世之前,他把自己收藏的马奈及其他印象派同行的画,全都捐给了国家;官方对此虽然未作怎样的表示,但印象派的画却从此大量成为国家的收藏,而卡耶博特当年收藏的那些画至今仍是奥赛博物馆的瑰宝。

  卡耶博特作画,其题材清一色地取自他那个时代的生活,他还积极响应当时从埃米尔·左拉到莫泊桑和胡斯曼的自然主义文学主张,追求一种新的风格,把形成鲜明对比的浅色与配景别致的奇特拼版结合在一起。因此他实实在在地加入到了印象派的洪流中。《赛艇》 (技术用语,指的是当时十分流行的一种比赛用小型船只)原是1879年第四届印象派画展上使用的三块装饰板中的一块。另两块装饰板(现由私人收藏),画的是一位垂钓者及几个在树影婆娑的同一条小河中游泳的人。这一类作品充分反映了那个时代的人在户外嬉戏的乐趣,是画家所酷爱的题材之—;他父母在距巴黎不远的耶尔有一处庄园,庄园边缘有一条小河;受此影响,他本人对于划船非常热心。这一新颖的题材曾以不同方式吸引过作为同时代人生活好奇见证人的库尔贝、马奈、莫奈和雷诺阿等人,如今用于各种形式的创作尝试。比如经常漂流着草木的水面被处理成并不太深的空间,而传统的视觉标记悄悄隐退;一切都在光线下闪闪发光,被边框随意切掉一半的小船,则在呈上升倾斜状态的水流中灵巧地前进着。卡耶博特作起画来动作很快,笔触遒劲、果断、有效。不过这种完全凭借内心感觉的做法,很让当时的批评界不快;他们说,他的笔法未免太过“生硬和粗暴”,但同时又不得不承认,他在探求光和户外的表现方法上颇有新意。这种放浪形骸的狂放创作手法是卡耶博特作画的特点,他因而在相当长的时间内得不到承认,同时他对印象派绘画大力资助的名气也超过了他自己画作的名气。所幸批评界最近已重新发现其作品的价值和创作手法的不落俗套。
character
2006-5-5, 15:39 PM
没有了吗  莫奈的  睡莲怎么没有呢  谢谢楼主让我看到了很多莫奈的很多没见过的~  再有些睡莲的就完美了 再次感谢``!~!
character
2006-5-5, 15:39 PM
应该还有把?
dzhtmcqg
2006-5-5, 18:54 PM
支持一下楼主!!!!!
北京大学
2006-5-6, 13:17 PM
《阿尔让特依》
克劳德·莫奈/1872
油画/50×65cm


  1840年生于巴黎 1926年卒于吉维尔尼

  莫奈的童年是在勒阿弗尔度过的。他在那里结识了尤金·布丁。在布丁的鼓励下,他开始习画。1862年,他曾拜一位学院派画家为师,但收效甚微。于是,他便同巴齐耶、雷诺阿、西斯莱等朋友一起,自学绘画。他们常在枫丹白露的树林边或诺曼底海边写生。莫奈的画起初在官方画展上曾获得不小成功,但不久就遭到封杀,原因是他在室外创作的一些作品,例如《花园中的妇人》(1866,奥赛博物馆),引起不少人的反感和抵制,人们难以接受这种具有高度自发性、概括性和技术自由的画法。1870年,莫奈去了伦敦,以躲避当时的战乱。1871年,他途经荷兰回国。在这期间,他有机会接触从弗兰斯·哈尔斯到透纳等绘画大师的作品,从中获益匪浅。在他1872年在勒阿弗尔港创作的,曾参加首届印象派画展的作品《日出·印象》(马尔莫当博物馆)中可以清楚地看出这种影响。莫奈从此成了新绘画的领头人物。无论在他居住的地方(从1883年起住在吉维尔尼),还是在他造访的城市(1899—1901年间,三次访问伦敦),他的作品均引起广泛关注。经过不懈的研究和探索,他在90年代初期,完成了不少系列作品,并在1900年之后画了许多以睡莲为题材的作品,最终成为最著名的印象派绘画大师。

  1870年法国经受了被普鲁士击败的打击,次年年初,巴黎公社人民起义又血洗首都,莫奈和其他艺术家一样,因害怕上前线而躲到了伦敦。随后他的妻子和儿子也来到了这里。他在伦敦参观了许多美术馆,对英国画家康斯太勃尔和透纳(Turner)的绘画技巧十分感兴趣。他们对光的特殊处理使物体的轮廓变得模糊,并将画的主题分解成色彩的符号。回法国前,他在荷兰小住几周。那里的河流和大海的景色又给了他用别具一格的构思,表现一种新的造型艺术的高超技艺的机会,那些饱蘸着色彩的笔触像是在画布上跳跃,这些色彩通常是纯色的《赞丹》(1871,奥赛博物馆)。

  同到法国后,他定居巴黎,住在第二帝国时期改造的一个新区:欧洲区。这个区靠近圣拉扎尔火车站,是艺术家的摇篮。莫奈在1871年12月搬到阿尔让特依居住后,还经常回到这里。那时他的创作活动十分频繁,他多次画周围的自然景色,附近的塞纳河,特别是他还积极探索如何把人物安排在风景画中。他不再画华丽的室内肖像画,如这次展出的戈迪拜尔夫人的肖像,这些画上的光线配置都是纯理论的。他潜心画一些亲人的画像,他的妻子和儿子在大自然中的画像,画的色调和光线都和周围环境相吻合。《阳光下的丁香》(1872,莫斯科普希金博物馆)完美地反映了他的追求。画中他的妻子卡米耶站在一棵开满花的树阴下,她的脸和裙子都反映了周围的色彩:粉红色和绿色印在了她的白裙上,光线透过树叶和鲜花落在她的身上,留下鲜亮的笔触。

  但从1872年到1878年1月他离开阿尔让特依之前,他画得更多的还是纯风景画。这些画流露出一种重又找回的幸福。的确,这时政局平静,莫奈充满创作激情,生活也不再拮据,这全靠1870年他在伦敦结识的一位商人保罗·杜朗-卢埃尔的帮助,这位商人仅在1872年就买了他29幅画。

  他1872年画的这幅画,地平线右侧的钟楼是阿尔让特依的圣德尼教堂,这就向我们揭示了写生的地点。有了这个标记,再看整个构图,便可以看出当时莫奈为了画出全景,非常可能在一艘布置成画室的船上作画。他的视野从远景地平线左面的阿尔让特依,一直到右面的奥尔日蒙山,还有近景左侧的马朗特岛的树丛。在这三个地点之间,有一些游船,有的收着帆,有的张满帆,在风中尽情嬉戏。这提示我们,阿尔让特依曾是巴黎地区的一个度假胜地,是游艇爱好者所青睐的地方。莫奈不用过于强烈的色调,而用非常柔和的色彩来表现河面上的平静,但是画中央的两个似乎正在给船安装缆帆的人物却多少打扰了这份宁静。一个夏日的晴天,淡蓝色的天空上飘着丝丝白云,远处村庄和山丘呈银灰色,笼罩在一片薄雾之中。水也像天一样多姿多彩。画的左侧都很独特,那里有用绿色笔触由浅到深画成的植物,它们还在画面上投下了阴影。莫奈注意到视觉印象的转瞬即逝,他在处理阴影和倒影时,常把它们作为构图的中心。这种做法在这里十分明显。在画的右半部的那艘船,没有任何复杂结构,只有伸向天空的两根桅杆和它们在水中的倒影,它们的高度几乎与画的高度相当,并与左边的垂直扩散线条互相呼应。

  这幅画描绘了一个刚通火车,被誉为旅游休闲胜地的地区的和平景象,尽管它的审美观和学院派的教条相去甚远,但仍不乏吸引人之处。保罗·杜朗-卢埃尔买了些这样的风景画,其他爱好者也有意购买。可是,当画的作者打算将它们提交公众评判时,反应却异常激烈,他们拒绝承认他,各种嘲讽铺天盖地地向他袭来。
北京大学
2006-5-6, 13:18 PM
《阿尔让特依的塞纳河》
克劳德·莫奈/1873
油画/50.5×61cm


  1840年生于巴黎 1926年卒于吉维尔尼

  莫奈的童年是在勒阿弗尔度过的。他在那里结识了尤金·布丁。在布丁的鼓励下,他开始习画。1862年,他曾拜一位学院派画家为师,但收效甚微。于是,他便同巴齐耶、雷诺阿、西斯莱等朋友一起,自学绘画。他们常在枫丹白露的树林边或诺曼底海边写生。莫奈的画起初在官方画展上曾获得不小成功,但不久就遭到封杀,原因是他在室外创作的一些作品,例如《花园中的妇人》(1866,奥赛博物馆),引起不少人的反感和抵制,人们难以接受这种具有高度自发性、概括性和技术自由的画法。1870年,莫奈去了伦敦,以躲避当时的战乱。1871年,他途经荷兰回国。在这期间,他有机会接触从弗兰斯·哈尔斯到透纳等绘画大师的作品,从中获益匪浅。在他1872年在勒阿弗尔港创作的,曾参加首届印象派画展的作品《日出·印象》(马尔莫当博物馆)中可以清楚地看出这种影响。莫奈从此成了新绘画的领头人物。无论在他居住的地方(从1883年起住在吉维尔尼),还是在他造访的城市(1899—1901年间,三次访问伦敦),他的作品均引起广泛关注。经过不懈的研究和探索,他在90年代初期,完成了不少系列作品,并在1900年之后画了许多以睡莲为题材的作品,最终成为最著名的印象派绘画大师。

  1873年,莫奈和他的朋友们一样,放弃把他的作品提交给官方画展的评审团,他也拒绝参加另立门户的,但经政府批准的画展——新落选者沙龙。皮埃尔-奥古斯特·雷诺阿参加了这一画展。然而,艺术家们和支持他们的记者们却依然十分活跃。评论家保尔·亚历克西在艺术家经常聚会和交流意见的盖布瓦咖啡馆听到不少争论,受此启发,他在5月5日的《民族未来》报上发表了一篇文章,提出要取消沙龙评审团以及要建立一个独立的艺术家协会。几天后,莫奈对此作出了反应。他提出要建立一个由不愿听命于学院派的清规戒律,希望描绘自然和日常生活的人组成的艺术家团体。但直到次年年初,即1874年1月17日,《艺术编年史》才登载了有关协会成立的文章:“一个由画家、雕刻家、版画家、石印家组成的,人员和资本机动的合作股份有限公司于12月27日成立,期限10年。公司的宗旨是:1.组织自由展览,既不设评审团,也不设荣誉奖。每一个公司成员都可展出自己的作品;2.出售参展作品;3.尽早发行一份只谈艺术的报纸。”但必须指出的是,最后一个愿望只是在1877年才暂时实现。印象派的开拓之旅终于起程。在以后的数年里,莫奈与其紧密相随。

  参加这个新协会的艺术家们在1874年展出了自己的作品,但他们的美学观点不尽相同。首次参展的有传统派艺术家,如画家爱德华·布朗东、雕刻家奥古斯特-路易-玛丽·奥丹,也有美学革新的拥戴者。克劳德·莫奈属于革新派,他展出了5幅油画和7幅色粉画。没有一幅画的标题明确地提及他居住的阿尔让特依,但却有标有巴黎和勒阿弗尔的画。由此可以推断,保罗·杜朗-卢埃尔和另外几个爱好者已购买了他最新的画作,包括这幅展品。我们对这幅画在1881年进入杜朗-卢埃尔画廊前的情况一无所知。

  这一次,莫奈把他的画架支在了陆地,将目光又一次投向阿尔让特依的村庄。在天水交接处,这个村庄半隐半现在河中央小岛上的树丛后,村里的钟楼又一次非常清晰地出现在画面上。还是他那经久不衰的构图:右边一大曲线,左边画出的对角线把人的目光引向远景。画家对秋天色彩的运用以及把这些色彩点缀到画布上去的手法深刻地显示了他的独到之处。整个阿尔让特依沉浸在一种即将逝去的光线中,这种光线只有莫奈才能表现得如此自然。他的每一笔都既短促又精确,这无疑更能表达出视觉感受的瞬息万变。他用丰富的色彩来表达这种瞬间的视觉所见,尽管学院派评论家因此说他作画草率。
北京大学
2006-5-6, 13:19 PM
《艾特达的马纳博特:水中倒影》
克劳德·莫奈/1885
油画/65×81cm


  1840年生于巴黎 1926年卒于吉维尔尼

  莫奈的童年是在勒阿弗尔度过的。他在那里结识了尤金·布丁。在布丁的鼓励下,他开始习画。1862年,他曾拜一位学院派画家为师,但收效甚微。于是,他便同巴齐耶、雷诺阿、西斯莱等朋友一起,自学绘画。他们常在枫丹白露的树林边或诺曼底海边写生。莫奈的画起初在官方画展上曾获得不小成功,但不久就遭到封杀,原因是他在室外创作的一些作品,例如《花园中的妇人》(1866,奥赛博物馆),引起不少人的反感和抵制,人们难以接受这种具有高度自发性、概括性和技术自由的画法。1870年,莫奈去了伦敦,以躲避当时的战乱。1871年,他途经荷兰回国。在这期间,他有机会接触从弗兰斯·哈尔斯到透纳等绘画大师的作品,从中获益匪浅。在他1872年在勒阿弗尔港创作的,曾参加首届印象派画展的作品《日出·印象》(马尔莫当博物馆)中可以清楚地看出这种影响。莫奈从此成了新绘画的领头人物。无论在他居住的地方(从1883年起住在吉维尔尼),还是在他造访的城市(1899—1901年间,三次访问伦敦),他的作品均引起广泛关注。经过不懈的研究和探索,他在90年代初期,完成了不少系列作品,并在1900年之后画了许多以睡莲为题材的作品,最终成为最著名的印象派绘画大师。

  地处科镇诺曼底海岸的艾特达有着十九世纪艺术家们最为欣赏的景色。它的名气来自于它的天然奇观奇形怪状的白垩悬崖,水流冲击出的三个拱孔,上游门和下游门以及位于侧面被海水雕刻出来的一根奇特的尖针,即高达70米的一块方尖形纪念碑和马纳博特(大门)等。容金德于1851年来到艾特达。柯罗虽然喜爱农村胜过海滩,但还是在1872年画了了这个海滩,构图结构严谨。布丁和他的朋友莫奈被同样的题材吸引。而流动的海水对坚固的白垩峭壁的冲击吸引了德拉克洛瓦,他用这个主题画了些水彩画和水粉画,比1869年来这里的库贝尔和1868年首次来此地小住的莫奈都要早。德加于1882年,雷诺阿于1883年分别来到这里观看辽阔的天空,时而平静时而狂暴的大海,耸入云霄的峭壁,空气以及变幻无穷的光线。

  自1868-1869年冬在艾特达小住后,莫奈在1883-1885年间每年都叫到这里。1885年9月中旬,他离开吉维尔尼来到达里,一直住到12月中旬。起先,全家一起来,住在他的朋友,印象派绘画作品的大收藏家,男中音歌唱家让-巴蒂斯特·富尔家中。后来,他独自住在小旅馆里,按自己的习惯生活,走遍峭壁间的小路。他从一切可能的视角观察它们:从山顶,从海滩或紧靠水边。有一次,11月27日,他思想过于集中,一股潮水把他冲到悬崖壁上,回落时又把他连同他的画架、画布和调色板一起卷走。能在和素材的互动中作画,在印象派画家看来,这全归功于一种能把颜料装进小管内的新工艺。人们不再用需要研碎,再和一种配方极为保密的黏合剂搅拌后才能使用的颜料作画。这种颜料搬运时必须将它们放在皮口袋里。由于它们会被氧化,所以需要比较笨重的装置。1841年,美国画家约翰·兰德发明了放颜料用的软金属管,从此,画家们就可以带着轻便的画盒到室外写生。雷诺阿十分幽默地评价这一革命性的进步:“正是这些便于携带的颜料管使我们能完全进入大自然作画。没有它们,就没有塞尚,没有莫奈,没有西斯莱,没有毕加索,更没有被记者们称为印象派的一切。”颜色的品种也不断增多。莫奈喜欢的色彩有银白色,1840年末才出现的镉黄色,1822年才有的祖母绿色,1807年的钴蓝色,朱红色和茜红色。

  马纳博特是一个很特别的题材,它在另一个仰视的画面中也曾出现过。为了画这个天然形成的拱形孔,“一个可以通过一艘船的大洞”,莫奈在悬崖顶上走了很远,以便在这块穿孔巨石外安营扎寨,在画布上再现面对大海的白垩“哨兵”的孤独。峭壁截获了所有阳光和通过水折射出来的光线,在蓝色和灰色的天空中加入了浅粉色和橘黄色。它在水中的倒影在蓝绿色的水面上随着绿色和粉色的波纹抖动。整幅画处理得像是一幅草图。笔触和色彩短暂而快速地在画布上留下蓝、黄、绿色分开或合成的细纹,既无图案也无细节。悬崖就像是从海中自然生成,和大海融为一体,与天空和睦相处。

  诺曼底作家莫泊桑在艾特达有一小屋,曾和莫奈见过几面,1886年还曾为他写了一篇文章,题为《一个风景画家的生活》,他描述了莫奈的作画方法:“我经常跟着克劳德·莫奈去寻找印象。他已不再是画家,而是猎人。他走着,身后跟着一群孩子,他们帮他提着五六幅同一题材但在不同时刻画的、因而有着不同效果的画。他随着天空的变化,轮流拿起它们。这位讨厌弄虚作假和墨守成规的画家,面对着他的画,等待着、窥伺着太阳和阴影,他几笔就把洒落的光线和飘过的云朵采集下来,快速放在画布上。我曾亲眼目睹他这样抓住一簇落在白色悬崖上的灿烂阳光,把它锁定在一片金黄色调中,使这难以捕捉的、耀眼的光芒产生令人惊异的效果。”
北京大学
2006-5-6, 13:19 PM
《维特依,早晨》
克劳德·莫奈/1901
油画/89×92cm


  1840年生于巴黎 1926年卒于吉维尔尼

  莫奈的童年是在勒阿弗尔度过的。他在那里结识了尤金·布丁。在布丁的鼓励下,他开始习画。1862年,他曾拜一位学院派画家为师,但收效甚微。于是,他便同巴齐耶、雷诺阿、西斯莱等朋友一起,自学绘画。他们常在枫丹白露的树林边或诺曼底海边写生。莫奈的画起初在官方画展上曾获得不小成功,但不久就遭到封杀,原因是他在室外创作的一些作品,例如《花园中的妇人》(1866,奥赛博物馆),引起不少人的反感和抵制,人们难以接受这种具有高度自发性、概括性和技术自由的画法。1870年,莫奈去了伦敦,以躲避当时的战乱。1871年,他途经荷兰回国。在这期间,他有机会接触从弗兰斯·哈尔斯到透纳等绘画大师的作品,从中获益匪浅。在他1872年在勒阿弗尔港创作的,曾参加首届印象派画展的作品《日出·印象》(马尔莫当博物馆)中可以清楚地看出这种影响。莫奈从此成了新绘画的领头人物。无论在他居住的地方(从1883年起住在吉维尔尼),还是在他造访的城市(1899—1901年间,三次访问伦敦),他的作品均引起广泛关注。经过不懈的研究和探索,他在90年代初期,完成了不少系列作品,并在1900年之后画了许多以睡莲为题材的作品,最终成为最著名的印象派绘画大师。

  1878-1881年,莫奈曾住在维特依。那时他还不为人知,生活也十分困难。1879年9月,他的妻子卡米耶——两个孩子的母亲,在这里去世。面对这么多灾难,莫奈的画,此时几乎全是纯风景画,色彩黯淡,有时像是刺耳的半音和弦,表现出深深的哀伤。他多次在不同的季节,面向维特依村,描绘它的庞大身影,其中部分被河岸的树林遮挡《雪中的维特依》(1879-1880,奥赛博物馆)。

  二十年后,已经成名的艺术家在物质上已相当宽裕,他经常故地重游。1883年,莫奈定居吉维尔尼并在1900年买了一辆汽车。从此,只要他舍得放下他的花园向他提供的素材,他便带上未画的或正在画的画布,驾车前往拉瓦库尔和维特依周围的景点。他从拉瓦库尔当地居民尚布里夫人租给他的一栋小楼的阳台上,在几乎同样大小的方形画布上,画了15幅维特依的景致,这些画非常近似但又因不同的色彩处理而各有特色,它们按自然顺序编入19世纪90年代初完成的系列画中。为了突出它们是在不同时段画的同一主题,好几幅画在标题上都注明了作画的时间或天气状况,如《维特依,下午》(施韦因富特、格奥尔格·舍费尔收藏),或《维特依,粉红色效果》(芝加哥艺术学院)。

  这里展出的里尔美术馆收藏的那幅画清楚地分为三个不同的部分:塞纳河占据了画布的多一半高度,直到河岸,河岸上的金字塔形的多面体代表村庄。为了使构图更显生动,村庄向画的左边偏移,最左面的房子似乎要碰到画的外缘。所有的建筑都以山为背景,只有在高处的钟楼以天为依托,而天只占画面的很小部分。每一部分的色彩各具特色,都是通过对笔尖的不同运用而画成。前景部分长长的水平线条展示出不同的蓝色,其中还有些阴影和橙黄色。绿色和橙红色的粗粗几笔刻画出河岸,而岸边则成为由房屋和教堂组成的多面体的基础,它被处理为极具特色的垂直小杠。笼罩一切的晨雾淡化了整个画面,墙面变成接近白色的浅黄色,红色的屋顶变成橘红色。村庄背后的山用斜画的绿和紫两种互补色彩来表现,以便突出村落。天空采纳了背景部分的所有色彩,只是加以淡化,手法更加细腻、轻柔,以致流畅的画笔痕迹难以辨认。

  莫奈的6幅维特依风景画,包括里尔的这幅,和卡米耶·毕沙罗的新作,均于1902年2月20-28日在巴黎伯恩海姆兄弟画廊展出。画展又一次获得成功。慕名而来的评论家大谈这一绘画技法的现代特征。
北京大学
2006-5-6, 13:21 PM
《睡莲,晚间效果》
克劳德·莫奈/1907
油画/100×73cm


  1840年生于巴黎 1926年卒于吉维尔尼

  莫奈的童年是在勒阿弗尔度过的。他在那里结识了尤金·布丁。在布丁的鼓励下,他开始习画。1862年,他曾拜一位学院派画家为师,但收效甚微。于是,他便同巴齐耶、雷诺阿、西斯莱等朋友一起,自学绘画。他们常在枫丹白露的树林边或诺曼底海边写生。莫奈的画起初在官方画展上曾获得不小成功,但不久就遭到封杀,原因是他在室外创作的一些作品,例如《花园中的妇人》(1866,奥赛博物馆),引起不少人的反感和抵制,人们难以接受这种具有高度自发性、概括性和技术自由的画法。1870年,莫奈去了伦敦,以躲避当时的战乱。1871年,他途经荷兰回国。在这期间,他有机会接触从弗兰斯·哈尔斯到透纳等绘画大师的作品,从中获益匪浅。在他1872年在勒阿弗尔港创作的,曾参加首届印象派画展的作品《日出·印象》(马尔莫当博物馆)中可以清楚地看出这种影响。莫奈从此成了新绘画的领头人物。无论在他居住的地方(从1883年起住在吉维尔尼),还是在他造访的城市(1899—1901年间,三次访问伦敦),他的作品均引起广泛关注。经过不懈的研究和探索,他在90年代初期,完成了不少系列作品,并在1900年之后画了许多以睡莲为题材的作品,最终成为最著名的印象派绘画大师。

  “只有在吉维尔尼见到克劳德·莫奈,你才能了解他,了解他的个性,他的生活情趣,他的内心世界”,他的朋友和传记作家古斯塔夫·热弗鲁瓦这样写道。1883年莫奈全家搬到吉维尔尼,这是一个位于巴黎和鲁昂之间的村庄。之后,莫奈便着手建设一个花园。对于这个花园,他自己评价道:“这是我最美的作品。”这里是他最后的栖身地,他在此共生活了43年,接待过他的朋友西斯莱、毕加索、奥古斯特·罗丹、克莱蒙梭、保罗·西涅克、皮埃尔·博纳尔和卡耶博特。他们都是乘船来拜访莫奈。莫奈的最大乐趣就是梦寐以求的“水上花园”,既为了“赏心悦目”,也为了“给绘画提供素材”。工程进行起来很困难,因为必须得到当局同意,将流经他房子旁边的诺曼底的艾泊特河的一条支流改道数百米。这个1893年建成的,成不规则椭圆形的“水和倒影的花园”和日本版画中的花园很相似。这些日本版画挂满了他餐厅的墙壁。日文画题的意思翻译过来似乎应该是“飘浮世界的映象”。

  一座漆成绿色的日本式的拱形木桥跨越池塘;水菖蒲、百子莲、杜鹃花科的观赏植物和绣球花环绕并保护着池塘。水面上漂浮着粉红色的睡莲。柳树和紫藤直泻水面,使水的色调变得更深更蓝。直到1895年,莫奈才画了第一张池塘和日本桥的花。从1898年起,他又画了些同一题材不同版本的方形画,其中10来幅曾在杜朗-卢埃尔画廊举办的他的新作展中展出。

  1901年,莫奈在他的池塘的延伸处又购置了一块地,池塘面积因此扩大了三倍。周围更精致,更具装饰性地种了竹子和日本樱桃树……他还安装了一个水泥槽,以便保护异国情调的睡莲不受水温过热的伤害。1903年至1909年,以睡莲池塘为题材的画重新出现。但是,如果人们在最初的画中还能分辨前景,延伸和周围景致的话,那么,在1904年后,漂浮在水面上的华丽睡莲则开始占据整个画面。

  1907年夏,莫奈在画中对光线的处理做各种尝试。所有的竖画都被“一条条长长的光束从上到下垂直穿过”,经过画面的两处阴暗部分,洒满画的下端。《睡莲,晚间效果》一画,在鲜黄、橘黄和朱砂色彩的烘托下,像是一团燃烧着的火。旋风般强劲的笔触增加了火焰在睡莲云间扭曲上升的感觉,呈现出一片视觉的梦幻世界。这里,没有睡莲,只有一个个暗暗的大圆盘,其中,时有明亮的笔触将它们凸显出来。再也没有空间的标志,只有被画笔捕捉到的光和色彩。

  1909年,莫奈在杜朗-卢埃尔画廊展出他在1903-1908年间画的48幅画,他自己为它们取名为:《睡莲,水景系列》。1907年所创作的竖画中的14幅也在其中。画展大获成功。展出的作品只标明日期而没有标题。记者和文艺评论家们立即感受到这个动感和奇特世界产生的视觉效果“所有这些光彩夺目的画流露出完美的和谐,既充满活力,又温柔宁静。我们简直看呆了。但我不无忧伤地想到这些实为一体,相互补充的动人作品即将分散各地,它们只是短时间地聚在一起给人们一个整体的概念,让人们感受到它们抒发的全部诗情画意。从此,人们再也不会在任何地方像我们现存这样看见它们聚集在一起。它们将分散到世界各地,它们仍然精美,但每一幅画只能展现出部分神秘……当然,我们更愿意看到它们全部被收藏在博物馆的某个展室,使人们可以去欣赏它们,去享受它们既壮美又宁静的,无与伦比的画面。”


  莫奈很久以来就有画大型装饰画的想法:“我曾想用睡莲来装饰客厅沿墙伸展,占据全部墙面,使人产生置身于无边无际水面的幻觉;在那里,因工作而绷紧的神经将得到松弛,就像这些水一样,不再流动,静止休息。这间屋子还可以给居住者提供一个在开满鲜花的水族馆中央静思的机会。” 

  这个身处不断扩张的城市中央的迷人小岛一直存在……莫奈在长达4年的沉寂后,从1914年起,投身于“大型装饰画”。1918年11月12日,第一次世界大战停战次日,他写信给克莱蒙梭,提议捐给国家一套装饰壁画,为此,他画了又画,直到1926年去世。1927年5月17日在杜伊勒里宫的柑橘园,人们发现装饰着“水和倒影的风景画”的两个圆形大厅,这是一个由阴影和光线组成的、水上漂浮的世界;时间暂时停顿下来,每个人都沉浸在画家的一项最富诗意、最具革命性的创作中,尽情地思索,遐想。
北京大学
2006-5-7, 11:18 AM
《自画像》
保罗·塞尚/约作于1875
油画/64×53cm

作者  | 2008-8-15 19:32:54 | 阅读(411) |评论(0) | 阅读全文>>

伦勃朗

2008-8-15 18:23:48 阅读234 评论0 152008/08 Aug15

伦勃朗
 
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  伦勃朗?哈尔曼松?凡?莱因(Rembrandt Harmenszoon van Rijn,1606.7.15-1669.10.4)是欧洲17世纪最伟大的画家之一,也是荷兰历史上最伟大的画家。

                                     

《自画像》

  伦勃朗生于荷兰莱顿,父亲是磨坊主,母亲是面包师的女儿,他们共有九个孩子。伦勃朗14岁进莱顿大学;17岁去阿姆斯特丹向历史画家拉斯特曼学画;1627年21岁时已经基本掌握油画、素描和蚀刻画的技巧并发展了自己的风格,回家乡自己开画室招徒作画,期间画了许多自画像;1631年离开莱顿去阿姆斯特丹,30年代就成为阿姆斯特丹的主要肖像画家。他的肖像画风格人物安排具有戏剧性,深深打动人心,他以神话和宗教故事为题材的作品供不应求。他对戏剧很感兴趣,经常利用如同舞台高光的亮色描绘在阴暗背景下的人物。1650年代后,他的画更为宽阔有力,利用迭色使画面更加有立体感。

  17世纪初,荷兰新兴资产阶级以加尔文教为国教,废除教堂的装饰画和祭坛画。可是伦勃朗受拉斯特曼影响,加上宗教画在荷兰富裕市民中仍有市场,因而一直对圣经题材感兴趣,一生中没有中断过绘制宗教画,但对这类画作了世俗化的处理。

  从1640年代开始,他经常到乡村漫步和作画,创作了许多反映大自然的素描和版画,风格质朴。1661年是他作画最多的一年,1663年以后就作画较少,结交了许多中下阶层的市民,眼界更为开阔,技巧更为成熟,创造力达到顶峰。

  伦勃朗和他的妻子生有4个孩子,只有最小的一个存活,但他妻子在生孩子后不久去世,他和女仆住在一起,女仆为他生了一个女儿,为此受到教会的正式谴责为“罪恶的生活”。由于他为了画画经常采购大量的衣物和绘画工具,从不计较财产,所以很快就到了破产的边缘。1669年他在贫病中去世,身边只有女儿陪伴,死后葬在西教堂一个无名墓地中。

  伦勃朗一生留下600多幅油画,300多幅蚀版画和2000多幅素描,几乎画了100多幅自画像,而且几乎他所有的家人都在他的画中出现过。

  伦勃朗创作生涯分为四个阶段:

  莱顿时期(约1625-1631),伦勃朗的绘画体裁广泛,包括肖像画、风俗画、风景画、宗教画、历史画等。现存的最早署有年代的作品为宗教画《圣斯蒂芬被石块击毙》。这类油画受拉斯特曼以及乌得勒支画派画家洪特霍斯特的影响,采用意大利画家卡拉瓦乔的强烈明暗对比画法,以加强画面的戏剧性效果。它在人物形象刻画方面,通过更深入地捕捉面部表情的细微变化来揭示其内心活动。此外,从莱顿时期起,开始绘制大量肖像画。他一直对老年人以及各种富有绘画性特征的人物感兴趣。为了塑造具有个性特征的人物形象,画家耗尽毕生精力来研究面相学。这方面的探索成果,乃是他表现技法的一个重要组成部分。

  莱顿时期中,伦勃朗把卡拉瓦乔式的明暗对比画法加以发展,形成了自己的画风,后人称之为伦勃朗式的明暗画法,即主要利用光线来塑造形体、表现空间和突出重点,画面气韵生动,层次丰富,而且富有戏剧性。早期作品虽不像后来作品那样成熟,但已显示出画家很早就致力于发掘油画颜料本身的质感和潜力,从他那时的有些油画作品,已经可以看到,他曾采用厚涂画法以及在画布的颜料层上用笔杆刮出痕迹之类技法。

《蒂尔普医生的解剖课》

  阿姆斯特丹早期(约1632-1640)从1632年起,伦勃朗定居阿姆斯特丹,在艺术上进入成熟阶段。成名作《蒂尔普教授的解剖课》,突破荷兰传统的团体肖像画的呆板程式,在构图和人物神态上均处理得逼真而生动,因而受到好评。伦勃朗此后10年中成为该城最受欢迎的画家。在此期间,他还画了大量肖像画和宗教画,其中的宗教画主要以巴洛克风格画成。伦勃朗在他所写的少数几篇文章中谈到,他力求在作品中,以显眼的人体姿态和运动来表达最巨大的内心情感。此类巴洛克绘画中,最激动人心的为《参孙被弄瞎眼睛》。画中的参孙之妻大利拉,因犯下伤天害理的罪行而惊惶失措,表情细腻而复杂,被有些评论家形容为相当于莎士比亚笔下的麦克白夫人。

《参孙被弄瞎眼睛》

  年轻时候的成功使伦勃朗富裕起来。他开始收购艺术品和古董。1639年迁居一座豪华的住宅。妻子萨斯基亚为他许多作品充当模特儿。画家在这阶段中看来过着无忧无虑的生活。评论家们一般认为从他当时的一些自画像中,可以察觉其心情的愉快。但也有人指出,这类自画像和亲友肖像中,有一部分曾被搬用于他的宗教历史画。著名的《怀抱萨斯基亚的自画像》,据近年考证,可能是一幅进行道德说教的宗教画。

  阿姆斯特丹盛期(1640-1648)40年代,伦勃朗个人生活中遇到了一些不幸事件。生活的折磨使他更深刻地去观察和理解社会,在艺术上进入深化阶段。1642年,萨斯基亚在儿子蒂蒂斯出生后不久病死。同年,名画《夜巡》问世。画家进一步突破传统的团体肖像画程式,使它带有风俗画和历史画的性质,其目的可能是为了要使观众由此而回忆起往昔荷兰人民反抗异族统治的革命斗争,“夜巡”这个名称是约1800年才出现的。这是由于,此画被后人涂上过厚的光油层,加上超过一个半世纪的时间侵蚀和空气污染,以致画面变暗,像是夜景图。

《夜巡》

  20世纪,主要是1947年和1980年先后两次以此画整修,把过厚的光油层除去,这样才证实,它所描绘的确是白天情景。有人认为,它的名称应改为"弗朗斯?班宁?科克上尉射击手连的出发"关于此画,过去流传过这样的说法:当此画的顾主们看到完成了的作品时很不满意,因为他们中间不少人被画在不够显眼的部分。他们要求画家修改此画,而画家拒绝,造成僵局,伦勃朗因而成为阿姆斯特丹上层社会中不受欢迎的画家。他后半辈子生活在贫病和不幸之中,似乎主要是《夜巡》这一幅画造成的。这种假设近几十年来经许多国家专家考证,已被否定,但是自画家去世后不久,以上传说就开始为一些富有浪漫主义幻想的传记家所一再复述,为的是要渲染所谓天才人物生前往往不能为群众理解。事实上,《夜巡》这幅画最后仍为顾主接受,画家也获得了事先议定的报酬。此后,他仍继续不断接受种种重要的订画任务。

  至于40年代后期起,伦勃朗不再像在30年代中那样受许多顾主欢迎,以致生活越来越因难,这种情况则不仅仅是为《夜巡》一幅画,而是为画家画风的改变所造成的。《夜巡》这幅画实际上标志着第二、三这两个时期之间的过渡。《夜巡》采用接近于舞台效果的表现手法,使两个主要人物处于照明的中心,显得很突出,并好像正在向观众走来。这种手法加强了整个画面宏伟的巴洛克气势。不过《夜巡》以后,伦勃朗越来越少地运用巴洛克美术那种激动不安和讲究排场的艺术效果,而是热衷于采用更加含蓄的手法去表现画中人物的内心活动。这类手法当时并不流行,因而尽管伦勃朗的创新作品仍有一批赏识者,但毕竟没被多数市民理解。这时期的作品《圣家族》等虽为宗教画,却洋溢着世俗精神,正如马克思所说:伦勃朗是按照尼德兰的农妇来画圣母的。同一时期中,他对景写生,制作了《三棵树》等蚀刻画和一些风景素描。约1645年,斯托费尔斯来到伦勃朗的家中,以后成为他的妻子,她的形象曾出现在他的许多作品中。

《圣家族》

  1656年,伦勃朗被迫宣布处于变相的破产状态。以后两年,房子和动产均被拍卖。他的油画买主不多,可是宗教题材蚀刻画却销路甚广,其中有一幅俗称《100荷币版画》,即是由于买价高而获得这一名称的。1660年,他迁居阿姆斯特丹犹太人区域附近的一座小屋。同年,他充当妻子与儿子开设的一家美术公司的雇员,因为这样才能免于受到债主们进一步的逼债。次年,他受托绘成历史画《西菲利斯的密谋》。西菲利斯于公元69年发动过反抗罗马暴政的起义,是荷兰远古的民族英雄。此画为荷兰历史画中最有纪念碑式气派的杰作,但由于某种至今尚未弄清的原因,它遭受了从市政厅墙上取下的厄运,如今只留下了其中的一块残片。1662年,他绘成《呢商同业公会理事》。这幅团体肖像画非常深刻而含蓄地表现了因人而异的外貌和性格特征。不过,据近年考证,画中人物并非理事,而只是该会的几个抽样检查员以及站在他们后面的一个仆人。1663年,他的家庭遭到不幸,但是一系列折磨并未摧毁倔强的老人,他在去世前还绘出了一批名画,包括《浪子回头》、《扫罗与大卫》等。

《呢商同业公会理事》

  伦勃朗在欧洲绘画史上所占的地位,是与意大利文艺复兴诸巨匠不相上下的。他所代表的是北欧的民族性与民族天才。造成伦勃朗的伟大的面目的,是表现他的特殊心魂的一种特殊技术:光暗。这名辞,一经用来谈到这位画家时,便具有一种特别的意义。换言之,伦勃朗的光暗和文艺复兴期意大利作家的光暗是含着绝然不同的作用的。法国十九世纪画家兼批评家弗罗芒坦称他为“夜光虫”。又有人说他以黑暗来绘成光明。卢浮宫中藏有两幅被认为代表作的画《木匠家庭》、《以马忤斯的晚餐》。

 

伦勃朗作品:

《夜巡》

  此画是受阿姆斯特丹民警总部委托而创作的群体肖像画。按惯例,订件者的肖像应在画面上占有同等重要的地位,因为他们都付了一样多的定金。可是伦勃朗选择了民警队在班宁?柯克大尉的带领下,紧急集合准备出发的瞬间,描绘了该场面的紧张和仓促。结果订件者提出抗议并拒绝接受此画。这幅画本耒描写的是白天的行动,由于年久而变得发暗,后人称为《夜巡》。

《戴金盔的人》

  在这张画里,金盔是他描绘的重点,而人物被他隐在阴影之中,他采用近乎雕塑般的厚涂技法,把金盔的质地描绘的铮铮作响,令人叹为观止。

《蒂尔普医生的解剖课》

  为画家26岁时的成名之作。画家应阿姆斯特丹外科医生行会委托,为他们的行会成员画团体肖像。画中人物全部是真实的,主讲人是著名的蒂尔普医生,他作为主要人物,占有画面的一侧主要位置,其余人物以各自专注神态,有变化地穿插安排在一个有深度的平面上,使每个人物所处的位置互不遮挡,并且不受透视影响,大小基本相同,否则订画人是不接受的。

《凭窗的亨德丽治》

  伦勃朗在51岁时破产,居住在阿姆斯特丹贫民区的一所破房子里,爱妻的离世更使他失魂落魄。亨德丽治开始是他的女仆,后耒成为他的妻子。伦勃朗以满怀的深情画下了这幅《凭窗的亨德丽治》,以回报生命中的这份珍爱。亨德丽治用手支撑着窗框,侧视着前方,正如同刚刚操持完繁重的家务来到窗前的片刻小憩一般。她身上散发出的那种端庄、贤淑、安祥的气质。她穿着一件穷人家的妇女常穿的宽大的罩衫,她的手是一双长年劳作着的粗壮有力的手,在画中羞于示人似的将手指收拢着。光线集中在亨德丽治的额头和颈部,亮光如流水般地在她的肌肤之上流淌着,显得那么的高贵和娴雅。

《伦勃朗与莎士基亚》

  莎士基亚是个很有韵致的女人,她只是他的模特,永远不是他生活的一部分。于是我们看到了带着淡淡哀伤的温婉女人的形象,莎士基亚时常抱怨伦勃朗只知道无休止的工作,从不把她放在心上。厄运似乎来得很快,35岁时莎士基亚带着“丈夫不爱我”的遗憾走了,给忘情于工作的伦勃朗留下了一个叫提塔斯的男孩。伦勃朗无比伤心,这时他才真正地感受到妻子在他心目中的地位不单单是一个炫耀的资本或是某种艺术生活的附庸。

《约瑟与波提夫之妻》

  在租来的破旧狭小的屋子里伦勃朗痛苦万分,他深深地思念着和妻子的美好时光,也体会到了妻子无比寂寞和眉宇间流露的淡淡的哀愁,(萨默默地为伦付出一切,而他更多的是以物质和借助画面来表达自己的爱,萨的一生也印证了“做一个艺术家的妻子等于慢性自杀”这一说法!因为伦勃朗以其为对象所作的《约瑟与波提夫之妻》、《阿尔忒密斯》、《酒店里的浪荡子弟》等画中萨流露得更多的是寂寞与痛苦。)反思既往,伦勃朗悲痛悔恨万分,为寻求心灵的平静,他寄情山水,对大自然倾注了无限的深情,在此后几年中,他作了许多以阿姆斯特丹郊外风光为主题的风景画,《郊外有风车的风景》就是其中具有代表性的作品,这些画饱含着对大自然勃勃生机的热爱与礼赞,也在不经意中流露出一丝淡淡的怅惘!

《亨德丽治像》

  “世间有为法,如梦亦如幻,如露亦如电,应作如是观。”纵情田园的时光让伦勃朗“顿悟”了,奢华、虚无终归平淡和素雅;骄傲的贵族视角转换成了温婉的“市井”视角,对物质情感的理解升华到精神的交感。这诸多的变化使伦勃朗再次拥有了爱情,与萨有着迥然不同气质,有着乡村少女特有的淳朴与娴静的亨德丽治,填补了伦勃朗饱受创痕的心,炼狱后的伦勃朗迎来了他艺术中最辉煌的一页。

《亨德丽治入浴》

《修脚的示巴女王》

  他用饱含沧桑的眼光和涅磐的心灵感受亨德里克羞涩、温柔、丰腴又十分可爱的情态,《凭窗的亨德丽治》、《亨德丽治像》、《亨德丽治入浴》、《修脚的示巴女王》等作品均摒弃了昔日所有的浮华回归到真实、恬淡之中,同时他边用同样深含爱意的心对待着这一时期其他的作品,《浪子回头》一画与其早期的生机勃勃和激动人心截然不同,画面中只有安静和脉脉的温情,画家在画面中表达更多的是对年少无知时的自我忏悔和精神境地的逐步超脱。

《浪子回头》

  也许有些人的感情注定只能在悲哀中曲终人散!爱情的甜蜜仅仅是昙花一现,更多的是痛苦与无奈!道貌岸然的封建礼教的捍卫者无法容忍伦勃朗与这位保姆身份的女子的爱恋,在谴责和恫吓中,伦再次陷入了门可罗雀的地步。步入“知命”之年的他没有选择取悦和阿谀去玷污自己的艺术,对生命、名利、爱情、生活更深的理解,让艺术家坦然又无奈的面对着再度破产和丧妻失子的痛苦,潦倒到连绘画材料都买不起的伦勃朗没有向命运低头,对世界的绝望和感情的更深的打击使他沉浸在艺术的梦幻中。晚年的伦勃朗进入了一种癫狂与冥想的奇幻的状态中。

《亚里士多德对荷马的头作冥想》

  1669年,伦勃朗悄悄地告别了。在他去世的时刻,身边只有一个画箱和一件外套。伦勃朗没有给后世留下太多的手稿文字,也不曾有艺术思想的书籍,但从他的画中,人们可以解读到一个可敬的艺术家。

作者  | 2008-8-15 18:23:48 | 阅读(234) |评论(0) | 阅读全文>>

鲁本斯

2008-8-15 18:22:27 阅读654 评论1 152008/08 Aug15

鲁本斯
 

  彼得?保罗?鲁本斯(Peter Paul Rubens,1577.6.28-1640.5.30)不仅是佛兰德斯最伟大的画家,而且可以代表17世纪的整个西欧绘画。                                       

《自画像》

  1577年6月28日鲁本斯出生于德国的茨根小城。9岁时随父母移居佛兰德斯,定居安特卫普。父亲去世后,母亲送他进一所拉丁文学校学习,他能阅读古希腊罗马书籍原著。14岁时被送到一位贵夫人府第当侍童,在那里不仅懂得了上流社会礼仪习俗,而且学会了为人处事,这对他后来的发展是有益的。

  鲁本斯最初师从于风景画家维尔哈希特和多才多艺的画家阿达姆?凡?诺尔特,在他们的门下学习了4年时间,打下了坚实的绘画基础,不久又成为从罗马归来的维尼乌斯的弟子,使鲁本斯受益很大,这使年轻画家对意大利,特别是罗马充满美好的向往。在他21岁时成为安特卫普画家公会的会员。两年之后实现了去意大利留学的梦想。

  1600年,鲁本斯来到了意大利的威尼斯,他以极为虔诚的态度研究学习提香的色彩艺术和丁托雷托具有生动韵律的构图及明暗法。后来相继访问罗马、佛罗伦萨和热那亚等地,精心研究临摹古代艺术精品和文艺复兴盛期大师们的画迹。同时,卡拉瓦乔的现实主义绘画强有力的艺术效果也吸引了他,而最感兴趣的是正在兴起的意大利巴洛克艺术。

《但以理在狮子洞中》

  在意大利期间,接受曼图亚大公的礼遇成为奥奇契的宫廷画家,这使他有机会接触到更多的古代艺术珍藏,丰富了他的艺术修养。受到大公的赏识和信任,让他作为宫廷使臣去意大利各地和西班牙收集艺术珍品,青年画家的难得机遇,有可能使他在艺术上博采众长。这期间的作品《莱尔马公爵骑马像》、《圣海伦娜》、《上十字架》、《基督戴荆冠》等,画风受文艺复兴美术影响,有威尼斯画派的特点。

《莱尔马公爵骑马像》

  1608年他回到安特卫普,次年出任佛兰德斯的统治者伊萨贝拉的宫廷画家,不久便与人文主义者兼名律师的女儿布兰特结婚,画家为妻子画过不少著名的肖像,过着豪华安定的生活。这种安定的生活使画家投入积极的创作,逐渐形成了自己独特的艺术风格。他特别注重带有旋转的运动感的结构来表现激动人心的场面,他善于运用对比的色调,强烈的明暗和流动的线条来加强这种画面的运动感。其间所作一批以宗教和神话为题材的油画《复活》、《爱之园》、《强劫留基伯的女儿》、《末日审判》等,笔法洒脱自如,整体感强,表明其艺术创作已进入鼎盛阶段。特点是将文艺复兴美术的高超技巧及人文主义思想和佛兰德斯古老的民族美术传统结合起来,形成了一种热情洋溢地赞美人生欢乐的气势宏伟,色彩丰富,运动感强的独特风格,成为巴洛克美术的代表人物。

《爱之园》

  1630至1640年,他已进入老年,因患风湿病而手指成为畸形,但仍坚持作画。一批出色的风景画和人物肖像,用色、用笔更加奔放自如,虽然画作的大部分的要由助手和学生来协助完成,但他亲手制作的那些油画草图,仍可看出他的绘画到后期又进入了一个新的发展阶段。鲁本斯的绘画对佛兰德斯以及整个西方绘画的发展,具有重大意义,17世纪后期巴黎的法国皇家美术学院就出现了一批鲁本斯主义者。18-19世纪法国画家A.瓦托、E.德拉克洛瓦、P.A.雷诺阿和英国画家J.雷诺兹、J.康斯特布尔等都在不同程度上受到过他的影响。

《逆天使的堕落》

  鲁本斯一生的创作中,主要是宗教神话题材,他在基督教题材的创作中,不可避免要受到教会的制约,但在神话题材创作中,就可以自由发挥自己的艺术个性。鲁本斯从威尼斯大师们那里获得色彩造型的启迪,在自己的创作中,色彩艺术得到了尽善尽美的发挥,已经超过了他所尊重的威尼斯画派的成就。

《帕里斯的裁判》

  鲁本斯是一位伟大的人文主义画家,即使宗教神话是他创作的主要题材,但他还是以世俗的人物和自然去描绘神界人物,正如法国美术史家丹纳所言:他的作品表面上涂着一层天主教的圣油,而骨子里的风俗、习惯、思想感情,一切都是是异教的。在鲁本斯的作品中体现出热爱生活,对生活充满美好理想、丰富的想象力,通过艺术形象肯定人的力量和人生的欢乐,他善于运用健康丰满、生机勃勃的形象,洋溢着乐观与激情的性格,去表现自己的审美理想与趣味。由于他所处的上流社会环境,迎合上层贵族的审美要求,所以他笔下的人物,尤其是妇女几乎都是贵妇人,体态胖肥,皮肤细嫩,骚首弄姿,扭捏作态,而男子都是浪荡公子一类,在一定程度上反映了佛兰德斯贵族资产者的追求享乐和骄奢淫逸的生活情趣。鲁本斯一生创作极为丰盛,作品多具有宏大的场面,强烈的运动感,雄健的造型,富有想象力和戏剧性情节;对比鲜明、响亮饱满的色彩;流动的线条、激动人心的画面艺术效果,给人以一种富丽堂皇、华美火热、欢腾鼓舞的艺术感受。

《农民的舞蹈》

  鲁本斯一生过着王子般的生活,49岁时爱妻去逝,53岁时又与一位16岁的妙龄少女海伦?富尔曼结婚,仍然过着幸福生活。在他63岁时走完了自己艺术的一生,为人类艺术宝库贡献了三千余幅艺术珍品。法国美术史家丹纳说:佛兰德斯只有一个鲁本斯,正如英国只有一个莎士比亚,其余的画家无论如何伟大,总缺少一部分天才。

 

鲁本斯作品:

《殴打婴儿》

  鲁本斯售价最高的作品,这幅《殴打婴儿》于2002年以7350万欧元出售。

《对无辜者的屠杀》

    鲁本斯售价第二高的作品,2002年《对无辜者的屠杀》在伦敦的苏富比拍卖行以4950万英镑售出。

《阿玛戎之战》

  画家在这里描绘的是神话中一则由英雄忒修斯与阿玛戎女王希波吕忒发生爱情而引起的战争场面。两队人马在桥上狭路相逢,战斗异常激烈,前仆后继。

  英雄忒修斯远行至亚细亚的克律姆诺伊,见到阿玛戎女王希波吕忒并向她求婚。婚后英雄携她回家。这引起了阿玛戎部落的不满,发兵攻打希腊,一路所向披靡。其时忒修斯正去克里特岛的迷宫中翦除牛怪,直至他得知后赶到雅典,阿玛戎女族即将进抵雅典。忒修斯立即率军迎敌。双方在特尔摩顿河桥头短兵相接,展开了一场血腥的战斗:阿玛戎人为保住自己的军旗正拼死地搏斗着,希腊军队从左侧桥头冲去,势不可当。桥边出现人仰马翻的惊险形象。画上色彩流动,线条飞旋,一切都处在一种惨烈的杀戮风暴中。画家通过敌我激战的情景,烘托了夺军旗的英勇行为。阿玛戎虽处劣势,仍显出不可动摇的战斗意志。右边已出现脱缰狂奔的战马,滚落河中的阿玛戎战士,给人以强烈的动感。全画气势激越,令人震颤。

  画面总的动势好象一团旋风,紧紧朝向桥的右侧滚动着。人物的层次绵密,所有的造型服从于一种连续性的运动。色彩所表现的激情已达到了最高点。有的研究者认为这幅画是鲁本斯受到达芬奇的一幅《安加利之战》或提香的《开多尔之战》的影响,这是不确切的。鲁本斯没有见到过那两幅画,即使他当时能见到,也只能是这两幅画的摹本或素描稿,要说汲取前人的构思,至多只是桥上的夺旗战斗。就鲁本斯这幅画的总构思看,他没有摹仿前人的动作,画家是凭借自己娴熟的写实技巧,使线条与色彩取得生动的呼应,并且有他的独创性。

《强劫留西帕斯的女儿》

  希腊神话英雄卡斯托耳与波吕刻斯,传系廷达瑞俄斯和丽达的儿子,统称狄俄斯库里,意即一胎所生。其实波吕刻斯是丽达与宙斯所生的儿子,两人一个善骑,一个善战,英勇无敌。这幅描写的是传统的"抢婚"场面:卡斯托耳与波吕刻斯两个黝黑的壮汉把留西帕斯的两个女儿从睡梦中劫走,正准备强行拉上马背的情景。画面上人和马占据了整个空间,两匹马和两对男女的交错动势,给人以强烈的运动感。马头、人手、马脚、人脚,放射般地向四角展伸,这里既是暴力,又是一种充满喜悦的游戏。不管这种风俗是表现双方的心愿还是双方的敌对,对画家鲁本斯来说是并不重要的,他所注意的是肉体与马匹之间的色调对比,关心的是人仰马翻般的猛烈的场面。这种动势的色彩,和他在另一幅《阿玛琮之战》画面一样,线的运动与裸体的质感造成一种狂热的色彩交响。近乎方形的构图,本来是稳定的,但形象组成了X形,却又构成了极不稳定的动乱。画面左侧一角,画家又添画上一个长着翅膀的小爱神,它给整个画面作了一点暗示:这是一种爱情的暴力。

《玛丽·德·美第奇抵达马赛》

  画家在这幅竖长画面上,描绘玛丽皇后的宫船刚刚进抵马赛港,她已盛装待迎,准备接受法国最高规格的礼仪。这时,立在船头上的一位象征法兰西的姑娘,头戴军盔,以古罗马的庄严装束,向皇后伸开双臂表示法兰西在欢迎她。豪华的宫船下面有许多海中女仙在尽力拽着绳缆,要让这条幻想的宫船靠近港岸。

  为使画面充溢着美感,画家除了刻意描绘船上的盛装皇后与法兰西姑娘以外,还在船下舷侧画了一些美丽的仙女。肉体的魅力加强了画面的神话色彩,同时还在天上画了许多迎客的天使。这些仙女叫涅端伊得斯。她们是海神涅莱斯与多里斯所生的五十多个女儿。这些仙女专门援救在航海中遇险的船只。此外,她们还象征乐观与载歌载舞的形象。这些穿着薄薄衣衫的仙女周围,还有几头海怪陪伴着。

《上十字架》

  在《上十字架》一画上,鲁本斯集中以冲突与运动为基础,设计了一个从左上角向右下角展开的对角线构图。强光来自右下方,行刑的兵丁出现在与强光相背的方向。耶稣被钉的十字架刑具是从画面的右下往左上方向竖起的。这支十字架显得很沉重。行刑的人物都很紧张,右边一个兵丁紧拽着绳索,左边的执行者托着十字架,身上的肌肉似都要绽开的样子。可是十字架上的耶稣却现出坚定的神态,脸上毫无痛苦的表情。他举目斜视着天际,突出了一种英雄般的精神力量。耶稣与下面一群执刑的暴徒,构成了力度上的对比。

  鲁本斯很善于在这类画上添上些很生动的风景细节。右上侧那棵大树,叶子似被狂风吹得翻卷乱颤,而与此相对,左下角画了一只张着嘴的卷毛狗。全画处在一种旋风般的激情中。这些形象使我们想起了丁托莱托的某些画面。意大利风格在这幅画上是以传统的色彩与笔法来映衬的,因此,虽然显露着威尼斯的情调,然已展现出鲁本斯的个性特征了。特别是在造型结构上,他用心于自己的塑造风格。

《下十字架》

  鲁本斯在《上十字架》完成后,相继创作了同样的祭坛画《下十字架》。基督被钉死在各各他山的十字架上,亲友和信徒们络绎不绝地来悼念他。有一位叫约瑟的亚利马太城人,受众人之托求见罗马祭司彼拉,允许埋葬基督的尸体。《下十字架》就是描绘这个情节。画家以强烈的明暗对比,卡拉瓦乔式的聚光法布置画面,人物组合成对角线式安排:基督的尸体处于中心的亮区顶端,那位老者用嘴含着布,托着基督的臂膀,他就是信徒约瑟。承受降下基督身体的穿红袍者是约翰,对应的那位长胡子老人是彼得;抬手扑向基督痛不欲生的是圣母玛利亚,那位虔诚而多情地捧着基督脚的是抹大拉。在这幅画中没有激烈的人物动势,没有强烈的激情,只有充满崇敬的爱和深沉的哀伤,画中人物被黑暗所包围,沉浸在无限的悲痛之中,好似山川大地也为基督的死而默哀抽泣。

《圣乔治斗恶龙》

  圣乔治斗恶龙,题材源于《圣经》,也是欧洲古代壁画常用的题材之一。据基督教史所述,圣乔治原是一殉教者,约活动于公元3世纪。自6世纪起,传说他曾因从一条恶龙爪下拯救过一个女郎而被后世颂扬。约从8世纪起,便被神化为圣者,还成了英格兰的保护神。鲁本斯在这里表现了一个威武的骑兵来充当圣乔治,与拉斐尔的画上或者后来法国画家安格尔的同名画上的圣乔治迥异其趣。战士正在马上左顾右挡地刺杀这条恶龙,笔法具有速写性质,发挥了画家善于以热烈的色调描绘动乱中的人物形象的特点,使这场战斗充满激情。尤其是圣乔治的那匹马,画得极有精神。

《小孩头像》

  这一幅《小孩头像》是他这个时期肖像作品中的上乘之作。充分显示了画家的精湛技艺和对人物精神面貌的捕捉能力。小孩的脸部表情相当丰富,色彩和谐,眼神炯炯发光。金黄色的童发脉络分明,并富有立体感。大翻领则用大笔触涂绘,使它反衬出那张童稚而诱人的脸庞。

《三美神》

  三美神是指贞洁女神、美神和爱神。也有人说是指美神维纳斯、温柔女神塔利亚和欢喜女神阿格莱亚。  在鲁本斯的笔下这些女神都有着健壮丰满、充满生命力的形体,有着秀丽俊美的面孔,整个形象充溢着激情与艺术魅力,体现了画家对女性美的理想。

《幼儿基督与约翰及二天使》

  这幅画应是耶稣与施洗约翰等宗教形象,可事实上出现的是4个天真无邪、健康稚拙的孩子。唯有左边长一对小翅膀的孩子提醒观者,这4个孩子是“神”。小天使抱住一头羊羔,显得十分调皮。右边那个长一头金色头发的孩子,用右手去拍他对手的小脸,这好象是“基督”。背对观众的那个孩子则一手搭在小羊的头颈上,一边与自己的小伙伴说得正起劲。显然画家深情地描绘4个活泼可爱的胖孩子,并没去表现什么耶稣与约翰的关系。

《伊莎贝拉?勃兰特》

  鲁本斯与伊莎贝拉伉俪情笃,伊莎贝拉此时三十四岁,她的矜持、文静与内心和谐的微笑,正是画家所要刻画的妻子的性格。肖像被画得很精细,伊莎贝拉右手持一珠宝盒,左手搭在右胸侧的饰带钮扣上。这一双手的描绘,从某种角度上看,似乎要比达?芬奇的《蒙娜?丽莎》的那双手画得还要情深意浓些。

  当这幅肖像完成的第二年,伊莎贝拉?勃兰特就因病去世。对于画家来说,它是最后给他留下来的一张熟悉的面容。不妨说,画家在这幅画上浇注着画家对妻子16年的燕尔情谊。

《苏姗娜?芙尔曼肖像》

  这幅肖像是用漂亮和生动的色彩笔触来描绘的,线条十分流畅。和他的主题性绘画一样,举凡人体形象,都画得骨质健壮,过于肉感,这是鲁本斯笔下的妇女形象的特点,也许这就是画家眼里的理想美的标准吧。在这里画家还刻画了形象的性格特征:她的眼神流露出一种乐观幸福的样子,构图严谨,色彩对比强烈;服饰显示了她的贵族身份,但不傲气;从这幅肖像上,观众可以感觉到这位画家所寄托的那种与禁欲主义完全绝缘的生活热情。

作者  | 2008-8-15 18:22:27 | 阅读(654) |评论(1) | 阅读全文>>

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